Даниил Антропов – художник-керамист. Он сочетает традиционную керамику с современными индустриальными фактурами. Художник использует строительные сетки, прутья и планки, мягкие игрушки и поролон, которые можно найти в промышленных районах мегаполиса или на улице. Используя в процессе создания переработанные предметы, он следует своей концепции переосмысления знакомых материалов. Извлекая альтернативные свойства из каждого материала, художник исследует нетрадиционные методы создания формы и находит новые способы взаимодействия со средой. Многослойная текстура достигается за счёт многократного обжига. Помещая стекло в гипсовые формы, он лишь направляет процесс создания, а не контролирует его. В процессе обжига гипс сгорает, а стекло вместе с керамическими формами приобретает новую форму, которая из мягкого материала превращается в твёрдый. Предметы, которые были отброшены, переживают новое рождение. Даниил Антропов работает не как скульптор, создающий форму, а как исследователь, исследующий пути трансформации материи, её постоянного распада. Завораживающие своей необычной текстурой и цветовым сочетанием объекты раскрывают диалектическую взаимосвязь между порядком и хаосом. Они представляют собой открытую систему, аффект, гимн красоте, лежащий за пределами эстетического и дихотомического. Даниил Антропов родился во Владивостоке в 1991 году. Окончил факультет изобразительных искусств Дальневосточного государственного института искусств, школу современного искусства «Свободные мастерские» при Московском музее современного искусства (ММОМА) и школу искусств и дизайна Гавр–Руан. В 2012 году Антропов переехал в Японию, где изучал керамические техники у разных мастеров. В 2022–2023 годах участвовал в программе Artist-in-Residence в ENSA в Лиможе. В 2024 году был приглашён в Международную студию Таосичуань, продолжив исследование процессов трансформации формы и материала. В 2025 году защитил докторскую диссертацию в Цзиндэчжэньском институте керамики (JCI). Живет и работает в Цзиндэчжэне, Китай.

Алексей Анхеев – художник, работающий с граффити, компьютерной графикой, живописью и инсталляцией. От уличной граффити-практики художник постепенно перешел к работе с цифровыми медиа, живописью и пространственными объектами, развивая визуальный язык на стыке нескольких сред. Принимал участие в неформальных коллективных художественных проектах в родном городе и в самоорганизованных пространствах Новосибирска, а также в событийном проекте Street Vision в Томске (2021). Родился в Абакане (Республика Хакасия). В 2021 году окончил Новосибирский государственный университет архитектуры, дизайна и искусств. Живет и работает в Москве.

Иван Архипов — художник, работающий с печатной графикой, живописью, анимацией и различными медиа. Работая в технике сухой иглы, Архипов постепенно открывает новые визуальные возможности, экспериментируя с цветом, форматом, слоями и сочетанием материалов. В своей практике художник ищет баланс между реальностью и подсознанием: стремясь отразить различные внутренние состояния через образ, движение и цвет, он формирует собственный визуальный язык — синтез графики, живописи и мульти-медийных подходов. Помимо работы с графикой Архипов занимается авторской анимацией, участвуя в фестивалях графики, анимации и кино в России и за рубежом (США, Германия, Китай, Бельгия, Литва и др.). Художник — участник международных резиденций, включая Shangyuan (2019, Пекин, Китай) и AIR Karelia (2016, Петрозаводск). Работы Архипова представлены на выставках в российских институциях и галереях, среди которых проекты "Пробуждение" (2024–2025, FUTURO, Москва), "Жатва" (2023, CUBE, Moscow), "Танцы с камнем" (2022, галерея "На песчаной", Москва) и "Temptation" (2019, ЦТИ Фабрика, Москва).

Паша Бумажный — петербургский художник, который иронично называет себя аниматором и путешественником, колесит по миру и создает выразительные, лаконичные проекты. Работает с графикой и стрит-артом, выставлялся в Китае и Латинской Америке, участвовал в параллельной программе Manifesta 10 и регулярно пополняет коллекцию Музея уличного искусства своими работами. Проекты художника были представлены в различных пространствах, включая: "Киоск / Ларёк" (Москва, 2024), "Каждый ребенок чей-то художник" (книжный магазин, Санкт-Петербург, 2022), «Мои слоны» (Странствующая голубая кабинка, Санкт-Петербург, 2021), "Случайная спонтанная" (Зелёный забор, Санкт-Петербург, 2020), а также 1703’23 (Санкт-Петербург).

Катя Герасименко — художница, работающая в традиции реалистической живописи и скульптуры. Главный предмет её художественного исследования — тревожные образы, возникающие в зазоре между реальностью и воспоминанием о ней. В своей практике она часто использует собственные фотографии, сделанные на бегу на мобильный телефон: случайно выхваченные виды привлекают её едва заметными деталями, которые художница называет поломками пространства / в пространстве. Подчеркивая эти "помехи" в живописи и объектах, Екатерина формирует ощущение неуверенности и растерянности, создавая образы, балансирующие между знакомым и нарушенным. Выпускница Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова и Института современного искусства «База». Участница курса Росселлы Бискотти Making Spatial Stories в Зальцбургской летней академии искусства, программы Открытых студий ЦСИ «Винзавод» и программы ColLab Центра художественного производства "Своды". Персональные проекты художницы включают: Shady backstage (2024, галерея Martch Art Project, Стамбул), Конец контактной подвески (2024, пространство 10.203, Санкт-Петербург), Адаптация (2022, галерея "Дай пять", Воронеж) и Помехи (2020, Параллельная программа VII Московской биеннале молодого искусства, галерея Триумф, Москва). Екатерина участвует в выставках и фестивалях в России и за рубежом. Среди групповых проектов — "Лиминальные зоны" (фестиваль «Первая фабрика авангарда», Иваново), "Границы видимости" (2025, цех Белого/красного, ЦСИ «Винзавод», Москва), "Yedionyedi" (2025, Martch Art Project, Akaretler, Стамбул), "New Lands" (2024, художественный музей Arkas Sanat Alaçatı, Измир), "Названо Вазари. Маньеризм" (2023, Волго-Вятский филиал ГМИИ им. А. С. Пушкина / Арсенал), "Монстры под кроватью" (2022, Третье место, Санкт-Петербург), "Четыре угла" (2022, галерея Myth x Space Four, Space Four Lab, Санкт-Петербург), "Обнять и плакать" (2021, специальный проект 6-й Уральской индустриальной биеннале, галерея Синара Арт, Екатеринбург) и "Redrum" (2020, галерея JART, Параллельная программа VII Московской биеннале молодого искусства, Москва).

Павел Гришин – художник, работающий в живописи, графике, иллюстрации, а также создающий объекты и инсталляции. В своих работах Павел создает аллюзии на произведения предшествующих эпох, рассуждая о процессах, происходящих в искусстве и мире. Рассматривая личный опыт в качестве необходимого условия для создания произведения, Гришин использует художественное высказывание как повод поразмышлять об индивидуальных поведенческих и мыслительных паттернах и дискурсивных конструктах их формирующих. Автобиографичность, в данном случае, выступает своеобразной прививкой от сентиментальности, она придает его художественной практике напряжение, объединяя интригу конкретного произведения с прямотой и реальным качеством искренности. Родился в 1978 г. в Москве, Россия. С 1999 по 2005 годы изучал монументальное искусство в Московской Государственной Художественно - Промышленной Академии им. Строганова. С 2012 по 2013 проходил обучение в Институте Проблем Современного Искусства. Педагог, основатель Новой Школы Живописи, куратор курса Современная живопись в Московской Школе Современного Искусства. Живет и работает в Москве. Персональные выставки художника включают: "Каждый Охотник Желает Знать Где Сидит Фазан" (2016, галерея «Электрозавод», Москва), "Гибель во льдах" (2016, ЦТИ "Фабрика"), "Студио ви́зит" (2018) и "Сеанс" (2022, галерея "Треугольник"). Участвовал в групповых проектах, среди которых "Три дня в Октябре" (2013, Музей "Пресня", отдел Государственного центрального музея современной истории России), "Зачем мы ходим на выставки?" (2013, Мультимедиа Арт Музей, Москва), "Там Где Стены" (2019, совместно с Александрой Бобковой, галерея "Граунд Солянка") и "Очевидец" (2019).

Тима Илларионов — мультидисциплинарный художник, работает с живописью, скульптурой, аппликацией, занимается татуировкой. Любую картину рассматривает как самостоятельный объект и как часть пространства, с которым необходимо считаться. Свои работы характеризует пересечением графического дизайна, цветовой абстракции и черчения.В центре творчества Тимы — человек и его внимание к ускользающим моментам жизни, фиксация которых делает их значительными и важными. Окончил Московский Архитектурный институт в 2018 г. Живет и работает в Москве. Среди персональных выставок: "На птичьих правах", (2022, Суперметалл, Москва), "Я это сам видел", (2021, галерея "New Sincerity", Москва). Среди групповых выставок: "Looking forward to looking back", (2024 галерея, "Объединение", Москва), Ярмарка молодого современного искусства Blazar, (2024, Секция независимых художников, Музей Москвы, Москва), "Каникулы", (2022, галерея "Serene", Москва), New Year Art Market, (2021, галерея "Art&Brut", Москва), "023Ч-Moscow-Paris-Berlin", (2021, Культурный центр ЗИЛ, Москва)

Сергей Карев — художник, работающий с живописным медиумом и исследующий его актуальность для осмысления современности. В своей практике он опирается на традиции академической школы, развивая новый подход к живописи через работу с повтором, реконструкцией изображения и материальностью поверхности. В ряде проектов художник возвращается к собственным ранним работам: фотографирует холсты, разбирает изображения на фрагменты, печатает их в черно-белом виде, склеивает листы и создает новый живописный слой поверх множества сохранившихся дефектов. Через взаимодействие фактуры холста и бумаги, чередование слоев разной плотности и интенсивности цвета он формирует крупноформатные композиции — переходные пространства, погружающие зрителя в иное психоэмоциональное состояние. Выпускник Пензенского художественного училища им. К. А. Савицкого (ПХУ), Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова (РАЖВиЗ) и Института проблем современного искусства им. Иосифа Бакштейна (ИСИ). Участник резиденций: Арт-резиденция "ВЫКСА" (2025, Выкса), "Hide Out" (2024, Санкт-Петербург), Мастерские Музея современного искусства "Гараж" (2023–2024, Москва), FUTURO AIR’23 (2023, Нижний Новгород), Открытые студии ЦСИ "Винзавод" (2021–2022, Москва)," Avery Gallery Residence" (2018, Пекин) и Мастерские в Милютинском переулке (2015–2016, Москва). Участник выставок "432 этюда к Левитану в репетитивной технике" (2025, культурный центр "Волна", Выкса), "Русский транс. OFFSIDE EDITION" (2024, галерея FUTURO, Нижний Новгород), "Русский транс" (2023, галерея FUTURO, Нижний Новгород), "Благовещение. Шесть этюдов к Фра Анжелико в репетитивной технике" (2022, NIISREDA Space, Москва), "Опыт и предубеждение" (2022, Surface Art Lab Gallery, Москва) и "Проявления" (2016, Варочный цех, Мытищи).

Ирина Корина – художница, автор объектов и тотальных инсталляций. Ирина Корина обладает удивительным даром выхватывать из визуального потока ключевые для каждого времени и места-паттерны. В своих произведениях Корина использует знакомые всем материалы, которые обычно даже и не удостаиваются внимания, настолько они обыденны. Но художница подмечает психоделичность в том китче, который неизменно наполняет дома и улицы в городах и селах, и она только находит форму, чтобы это ярче проявить. Интерес к созданию объектов и инсталляций, интерес к материалу и фактуре, а также к их свойствам имитации выдает в Ирине Кориной ее образование художника сцены, полученное в Российском институте театрального искусства (ГИТИС) в 1990-х годах. В современное искусство она пришла уже в 2000-х, после окончания Института проблем современного искусства (ИПСИ). Дешевая бутафория и кустарная эстетика, повсеместно сопровождающие почти всех жителей нашей страны, обретают в работах Кориной новую жизнь и одновременно увековечиваются в истории искусства. Советские мозаики, закрытые стенами евроремонта, клетчатые сумки челночников, линолеум «под паркет», пластик «под мрамор», камуфляжные ткани, магазинные витрины, гаражи-ракушки, искусственные цветы… Корина препарирует треш и создает из него свой язык, подбирает новую форму, выявляет эстетику, вскрывает культурный код (ассоциации, стереотипы) — в общем, работает с материалами как настоящий художник сцены. Ирина Корина не подвергает критике то, с чем работает, напротив, восхищается, настаивая на значимости и уникальности каждого явления. Со временем действительно из обихода уходят какие-то визуальные пласты, становясь маркерами определенного периода истории. И приходит в наши дома и улицы что-то подобное новое. А рефлексия в произведениях Кориной становится почвой для социальных и культурологических исследований. С начала 2000-х она работает в кино. В 2009 году Корина была участницей выставки в павильоне России на 53-й Венецианской биеннале. В 2017-м ее инсталляция была представлена в основном проекте 57-й Венецианской биеннале.

Александр Лавров — художник, резидент студии "Тихая", живет и работает в Нижнем Новгороде. Один из первых художников города, начавших обращаться к стратегиям современного искусства. В его практике традиционная живопись и графические серии сосуществуют с реди-мейдами, объектами и элементами масштабных инсталляций. С равным вниманием художник работает с политическими событиями, историей советской и постсоветской культуры и образами повседневности. Будучи заядлым собирателем предметов советского быта, он основал в Нижнем Новгороде "Игрушечный музей", где регулярно обновляет экспозицию собственной коллекции. Родился в 1962 году в с. Дальнее Константиново Нижегородской области. Участник персональных проектов: "Весна" (2024, студия "Тихая", Нижний Новгород), "Vanitas" (2015, Литературный музей им. А. М. Горького, Нижний Новгород), "Мягкое русское порно" (2012, галерея "А-3", Нижний Новгород), "Наше — навсегда" и "Найденные альбомы" (2011, галерея "ЛЕС", Москва). Представлен в групповых проектах: Триеннале российского современного искусства (2020, Музей современного искусства "Гараж", Москва), "Жизнь живых" (2016, Арсенал, Нижний Новгород; 2017, ГЦСИ, Москва), "Обратно домой" (2017, Здание бывшего Музея нижегородской интеллигенции, Нижний Новгород), "Музей великих надежд" (2015, Арсенал, Нижний Новгород), "Этюды оптимизма" (2014, 10 Европейская биеннале современного искусства "Манифеста", Санкт-Петербург), "Искусство против географии" (2013, Музей современного искусства PERMM, Пермь), "Воздух" (2010, Государственный Дарвиновский музей, Москва), "Коллекция Глезера" (1995, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва).

Лена Лисица – художница, резидентка студии «Тихая», живет и работает в Нижнем Новгороде. В своей практике обращается к публичной истории, коллективной памяти и травмам поколений, конструируя их собирательные образы в объектах, инсталляциях и графике. В живописи и рисунке использует придуманные или переработанные мифологические сюжеты, исследуя природу жизни и смерти. Участница персональных проектов: "6609" (Музей истории ГУЛАГа, Москва, 2023) и "Хрупкое" (совместно с Алексеем Старковым; студия "Тихая", Нижний Новгород, 2022). Представлена в групповых проектах "Системная сборка. Нижний Новгород. Хроника цветущих событий" (галерея "Триумф", Москва, 2023), "Смешанная техника" (мультимедиа-арт-пространство "ЦЕХ", Нижний Новгород, 2023), Фестиваль уличного искусства "Место" (Нижний Новгород, 2022), "Выставка забытых сло"» (центр современного искусства "Терминал А", Нижний Новгород, 2021) и "Свежий слой" (Арсенал, Нижний Новгород; музей современного искусства PERMM, Пермь, 2017).

Надя Лихогруд — художница и скульптор, с детства работающая с керамикой. В ее практике ностальгические сюжеты становятся образом фиксированного воспоминания — словно пересвеченный полароидный кадр из детства. Она училась у скульптора Леонида Баранова (2012), затем в Московском государственном академическом художественном институте имени В.И. Сурикова, окончила Московский государственный университет дизайна, технологии и искусства им. А.Н. Косыгина (МГУДТ) по специальности "Художник костюма" (2015) и школу современного искусства "Свободные мастерские" ММОМА (2020). С 2018 года является членом Союза художников и Российской академии художеств. Живет и работает в Москве. Участница персональных проектов "Тем временем" (2025, бюро «МОХ», Москва), "Память заполнена" (2022, ММОМА, Москва, ) и "Облачное убежище" (2021, галерея "Объединение", Москва). А также групповых выставок, среди которых "Lace Grace Revolt" (2025, Alan Nekhay Foundation, Alanya Cultural Center, Турция), "Looking forward to looking back" (2024, галерея "Объединение", Москва), "Пассажиры. Диалоги о ландшафтах" (2022, галерея "Триумф", Москва), "X-Nowness" (2022, Basel Art Center, Базель), "Un escargot sous un chiffon" (2022, "Tonka" Gallery, Париж), "Ceremony: Russian seasons. The wedding" (2021, House on Lützowplatz, Берлин), "Мастерская 2020. Homo communicans" (2020, ММОМА, Москва) и "РайOn.0" (2019, Музей Москвы).

Антон Лытаев – художник, скульптор. Проделал десятилетний путь становления: занимаясь резьбой по дереву, научился любить этот живой материал, обрабатывая бронзу, познавал пластику и форму. Участвуя в разнообразных проектах и экспериментируя в своих работах, пробовал различный материал, играл с пространством, равновесием и формами, с линией и объемами. Его творческая деятельность не ограничена изготовлением скульптуры: параллельно он является автором-исполнителем песен и руководителем музыкального коллектива, что позволяет ему смотреть на творчество более объемно и под разными углами, ведь музыкальный ритм присущ также и скульптуре, а форма обязательно имеется у хорошего музыкального произведения. Для выражения чувств он как художник имеет большой арсенал инструментов; скульптурой занимается потому, что ему нравится игра света и формы, некоторое сопротивление и некоторая податливость материала, преобразовывать пространство, увлекает поиск равновесия: "Я слышу этот тихий призывный голос рукотворных и природных форм." Участвовал в организации ежемесячных неформальных художественных встречах "Форточка", г. Рязань. А также в выставках: "Улица Есенина" (2025, Выставочный зал Художественного музея, г. Рязань), "Стыки времени" (2025, проект "Археология современности", ЦСИ ШТАБ совместно с галереей "Артократия", г. Рязань), "НеДетский мир" (2025, галерея "Larisa Depershmidt", г. Челябинск), "Open vol.5" (2024, галерея a-s-t-r-a, г. Москва), "3.0" (2023–2024, галерея "А3", г. Москва), "Under`грань" (2023, галерея Артефакт, г. Москва), "Отчётная выставка" (2022, Выставочный зал Художественного музея, г. Рязань), персональная выставка "Ритм, пространство и форма" (2022, музейно-выставочный центр "Фотодом", г. Рязань). В период 2011–2021 гг. — многократный участник фестивалей и симпозиумов садово-парковой скульптуры и ленд-арта.

Артём Ляпин — текстильный художник (кружевоплетение), график и фотохудожник. В своей практике он создает вселенную, населенную персонажами личной мифологии — одушевленными существами и органическими объектами. Его работы балансируют между сном и явью, включают куклы, дома, снежинки и лепестки, предлагая зрителю вариативность прочтения. Особый интерес художника вызывают народное творчество и искусство аутсайдеров, проявления выбросов подсознания в традиционном искусстве (фолк-ар-брют) и взаимодействие человека с природой. Артём черпает вдохновение в традиционных ремесленных техниках и мифах, используя натуральные материалы — нитки, шерсть, металл, гипс и карандаш. Участник "Открытых студий" ЦСИ "Винзавод" (2024, Москва), автор книги "I think this love will last forever" (2024, издательство "Label Rapace", Цюрих, Швейцария). Его работы были представлены на ярмарке молодого искусства "Blazar" в секции "Независимый художник" (2023, Москва), он участвовал в XV Красноярской музейной биеннале "Aveniseesineva" (2023, Музейный центр Площадь мира, Красноярск) и представил персональную выставку "Холод/нежность" (2023, ЦСИ "Огонь", Иркутск).

Марго Макарова — мультидисциплинарный художник, куратор, сооснователь проекта newnow. В своей практике исследует темы памяти и опыта, отталкиваясь от теории хонтологии. Работая на стыке разных медиумов, создает проекты в симбиозе психологических практик и экспериментов, игре с методами визуального воплощения и взаимодействия со зрителем. Выпускник  Института современного искусства "База" и школы современного искусства MSCA. Участник многочисленных выставочных и кроссдисциплинарных проектов, среди которых ярмарка современного искусства Cosmoscow, |catalog|, автор проекта "Node." в здании будущего Арктического музея современного искусства АММА, г.Норильск. В составе команды newnow, автор и куратор серии аукционов молодого искусства "Ликвидация", комиссионки современного искусства (un) seen и др.

Анна Мартыненко — междисциплинарная художница, родилась в 1985 году, живет и работает в Санкт-Петербурге. В своих произведениях исследует физическую реальность в информационном мире и работает с информационным шумом, предлагая практики заземления. В этом контексте обращается к восприятию и сигнальным системам. Создаёт концептуальные проекты, пересекающие разные медиумы: графику, звук, тактильность, найденные объекты и другие материалы. Художница формирует собственные оптики и методы исследования окружающего мира, результатом которых становятся объекты, инсталляции, прогулки, сайт-специфик и паблик-арт, произведения технологического и социально вовлечённого искусства. Окончила факультет сценографии Санкт-Петербургской государственной академии театрального искусства, Школу молодого художника фонда "Pro Arte" и Лабораторию новых медиа Новой сцены Александринского театра. Участница российских и международных фестивалей современного искусства, среди которых "Ars Electronica" (в составе проекта Pangardenia), "Cyberfest", "Арт-Проспект" и другие. Работы были представлены в Русском музее, филиалах ГМИИ им. Пушкина, Музее современного искусства "PERMM", Музее-квартире Н. А. Римского-Корсакова, галерее "Граунд Солянка", культурном центре "Третье место", Музее современного искусства "Гараж" и других институциях. Персональные проекты показывались в Музее звука, галерее "FFTN", студии "Непокорённые, 17", галерее "Ателье Без Зеркал", "Пространстве А". Участвовала в ярмарках и аукционах "Blazar", "Samfair", "PortArtFair", "Тупик" и других. Финалистка конкурса "Nova Art 8", победительница открытого конкурса паблик-арта в рамках инициативы "Waterfront / Водная линия", лауреат грантовой программы Музея современного искусства "PERMM", резидентка мастерских Музея "Гараж" (2025). Персональные проекты художницы включают: "Споры шума" (2025, Музей “Гараж”, Москва), "Апрельские тезисы" (2025, АУ (аудиоклуб), пространство “Крыса”, Санкт-Петербург), "Связующий материал" (2024, Пространство А, Санкт-Петербург), "Флора" (2024, Транзитная зона, Санкт-Петербург), "Реликварий кривых линий" (2024, НеНеМу, Санкт-Петербург)

Саша Павловская — художница, работающая с материальностью объектов как с носителями воспоминаний: физический предмет для нее является необходимым свидетелем памяти, крючком, за который можно зацепиться. В работах часто проявляется нечеткая граница между памятью и воображением; художница отчасти вдохновляется Вальтером Беньямином, но также обращается к личному опыту. Один из часто используемых технических приемов — выжженная бумага, которая физически отражает отсутствие доказательств событий: выжигая внутреннюю часть для создания твердой внешней оболочки, она говорит о процессе вытеснения и возвращении вытесненного. Все работы связаны с пробуждением в зрителе физической эмпатии — при работе с пространством, скульптурой и телом художнице важно поместить зрителя в зыбкий момент существования между/in between. Восприятие опирается на память жеста, и образы детства рассматриваются с позиции взрослого человека; эти воспоминания видны как маленькие, расплывчатые очертания в контровом свете, а время ощущается скорее пространственно, чем исторически. Окончила "Практики современного искусства", степень магистра, Школа дизайна "НИУ ВШЭ" (2024), Бакалавр искусств по направлению "Изобразительные искусства", университет Хартфордшира (2019), Интенсивный курс по экспозиционному дизайну в Московской архитектурной школе (2019). Из персональных выставок художницы: "Танюшка" (2023, куратор Анастасия Скворцова, галерея FUTURO, Нижний Новгород, Россия).

Игор Поносов – художник, куратор и теоретик уличного искусства. В художественной практике Игорь Поносов стремится к разнообразию подходов и методов, его уличные работы осмысляют контекст, в котором они расположены – критически или поэтически. В студии он создает объекты и коллажи, часто обращаясь к найденным на улице материалам – рекламным баннерам и фальшфасадам. Художник дополняет их строительной фурнитурой и металлическими каркасами, напоминающими конструкции для крепления рекламы и отсылающими к естественной среде их бытования в городе. Центральные темы, с которыми художник работает в последние годы – определение места человека в урбанизированном пространстве, а также поэтическое осмысление границ и ограничений, будь то границы государств, природных зон, общественных пространств или же личных территорий. Автор книг «Искусство и город» и Russian Urban Art: History and Conflicts. Лауреат премии Сергея Курёхина в области современного искусства, номинант премий Кандинского и Московской Арт Премии. Куратор выставочных и фестивальных проектов в Москве, Санкт-Петербурге, Берлине, а также в Казани и Бишкеке. С 2005 по 2008 издал три книги про уличное искусство в России и странах пост-советского пространства. С 2011 по 2013 на Винзаводе курировал проект "Стена", ставший дискуссионной платформой для обсуждения городского искусства. С 2011 по 2015 годы в составе арт-коллектива «Партизанинг» работал над изменением городской среды столицы, формируя критический взгляд на урбанистику и развитие уличных практик в России. С 2013-го по 2016-й был соорганизатором фестиваля "Делай Сам", который был сфокусирован на низовых инициативах пост-советского пространства. В 2017-м, в Берлине, курировал выставку и лабораторию, посвященные городским художественным практикам Восточной Европы, по итогу проекта был издан сборник на английском языке. В 2016 году написал и издал первую русскоязычную книгу про уличное искусство «Искусство и город» (переиздана в 2021-м), за которую в этом же году был удостоен премии Сергея Курёхина в номинации "Лучший текст о современном искусстве", а в 2019-м был номинирован на премию Кандинского в номинации "Научная работа. Теория и история современного искусства". В 2018 году издал книгу на английском языке "Russian Urban Art: History and Conflicts". Презентации книг прошли в Москве, Санкт-Петербурге, Нижнем Новгороде, Ярославле, Тарту, Безансоне, Кракове, Париже, Хельсинки, Берлине, Фрайбурге и Вайль-ам-Райне. Соавтор и редактор ряда тематических изданий, с 2010 года лектор, участник форумов и конференций, куратор ряда образовательных программ в области уличного искусства.