«Волигамси» — это псевдоним художника. Его настоящую фамилию Вы узнаете, прочитав это слово наоборот. Живописная манера Рината — такая, какой она представлена в 11.12, — сложилась в двухтысячных. Работы обрели ироническую и одновременно философскую осмысленность, а также его фирменную ретрофотореалистическую манеру. Творческий путь Волигамси сложен, полон кризисов и переосмыслений, поскольку художник неизменно ставит перед собой сверхзадачу — выявлять самое сложное и глубокое. Его работы одновременны интересно и понятны  — благодаря тому, что художник выражает себя сверхточным живописным языком. Мир Рината Волигамси овеян ореолом чего-то неосознанно-необъяснимого. Несмотря на свою нарочитую безлюдность, в нем всегда происходит множество странных явлений. Конкретный источник сложно идентифицировать, будто бы само сущее оказалось наделено невиданными силами, деформирующие реальность вокруг. Эдакий параллельный мир с искаженными правилами бытия. Подспудно ощущается чувство тревоги, хотя явно на это ничего не указывает. И вроде бы явно, что подобная гипетрофированность не должна приниматься за правду, но псевдодокументальность все равно пытается обмануть мозг. В пику напряженного эмоционального состояния наши глаза могут видеть то, чего на самом деле нет, заставив нас поверить в чудеса. В творчестве Рината Волигамси образ человека никогда не был в фокусе внимания, выступая скорее частью интерьера или пейзажа - в зависимости от того, куда помещал его художник. Но именно в последние годы он постепенно начинает превращаться из фонового стаффажа в активного участника. Люди в его работах по-прежнему неодушевленные, без каких-либо индивидуальных характеристик, напоминающие химерических монстров с несколькими парами ног или геометрические фигуры, раздутые в сложных комбинациях. Но они выходят на первый план, занимая собой всё пространство картины. Волигамси как будто знакомит нас с населением своих фантастических деревень или бесконечных интерьеров. Ринат Волигамси лауреат Государственной премии России в области литературы и искусства 1994, лауреат Премии им. Репина 2014, Номинант Премии Кандинского 2014. Работы художника находятся в коллекциях Московского музея современного искусства, Государственного Русского музея, Фонде Владимира Смирнова и Константина Сорокина, Redbase Contemporary Art Foundation, Foundation Frances, White Rabbit Collection, коллекциях Игоря Цуканова и Романа и Софьи Троценко и других музейных и частных коллекциях. Художник живёт и работает в Уфе.

Дарья Шарова родилась 2 декабря 1996 года. Получила профессиональное образование в Лондоне в Chelsea College of Arts, The University of the Arts London, где получила степень Бакалавра и Магистра в области архитектуры и дизайна. В «Oasis», британском бренде одежды-монополисте, и Агентстве Дизайна «Dalziel and POW», а также ряде архитектурных бюро занимала ведущие должности, на позиции которых вела крупные проекты и являлась автором ребрендинга флагманских магазинов известных брендов. В 2016 году заняла первое место на международном конкурсе Retail Design Week в Лондоне. Уже в процессе обучения Дарья организовывала выставки, в которых также принимала участие и как художник. Фотоискусством Дарья Шарова занимается с 2010 года. С того момента это увлечение можно было назвать хобби, которое помогало удовлетворять собственную творческую потребность. Но со временем оно находит отклик у зрителей. С 2015 года её фотографии украшают интерьеры частных резиденций, появляются частные заказы. Фотография становится нечто большим, чем просто хобби. Она выстраивает целую философию, которую и воплощает в своих произведениях. Фотография – это не просто отпечаток окружающей реальности, но субъективное отношение автора снимка к объекту в объективе. Все эмоции, переживания, настроения автора сосредоточены в его произведениях, которые может почувствовать любой зритель, лишь взглянув на них. Этот процесс можно охарактеризовать как сверхчувствительность к внешним триггерам (Sensory Processing Sensitivity (SPS). По словам Дарьи: «Вкратце, SPS — это повышенная чувствительность к звукам, запахам, вкусу, визуальным эффектам и другим людям. Это высокий уровень детализации, способность понимать разницу между целым спектром оттенков цветов и чувств, текстур и материй. Это момент, когда начинаешь слушать и понимать, что вся человеческая жизнь - это джаз, который постоянно звучит вокруг. Высокий уровень интуиции, способность распознавать и идентифицировать чувства людей на глубоком уровне».

Владимир Марин родился в 1984 году, закончил Обнинский политехникум и Московский государственный университет дизайна и технологий. Художник работает с объектами, которые, на первый взгляд, кажутся «найденными», но, на самом деле, созданы им «с нуля». Они основаны на использовании узнаваемых образов и хорошо знакомых вещей. Исследуя и видоизменяя с помощью художественных средств предметы повседневной жизни, от бытовых приспособлений до архитектурных элементов, он превращает их в визуальные истории, передающие суть современной жизни. В проекте «Сугробы» Владимир Марин вдохновлялся зимними пейзажами городской среды, в которой нападавший снег изменяет очертания привычных нам вещей: формы уличных объектов под открытым небом изменяются, деформируются и сглаживаются. Зима выступает здесь главным формообразователем, преображая и разрушая, засыпая и «обезличивая» объекты белым снегом. Неслучайно художник выбрал именно этот цвет, позволяющий нам отбросить все лишнее и сосредоточиться только на форме и объеме конкретного произведения. Следы животных, людей, автомобильных шин, капли воды разъедают слой снега, оставляя затейливые орнаменты на поверхности. Владимир Марин выхватывает эти небольшие миниатюры и акцентирует на них внимание, заставляя остановиться и по-новому взглянуть на эти привычные явления. Увидеть красоту и оригинальность в самых простых вещах - вот основная задача художника. Владимир Марин также работает с текстами, продолжая традиции художников Московской Концептуальной Школы, которые прорабатывали тему житейской повседневности, используя текст для усиления художественного содержания. Но в отличие от них, Владимир Марин «вытаскивает» его на передний план. Таким образом, смещаются аспекты, которые были важны для концептуалистов: в интерпретации Марина слово и символ становятся главенствующими по отношению к бытовому контексту. Тем не менее, их объединяет общее стремление к романтизации образа, пропущенного через поэтическое восприятие окружающей действительности. Живет и работает в Калуге.

Марина Пчелякова родилась 9 февраля 1995 года в Ульяновске. С 2013 по 2019 год училась в Московском Государственном Университете Печати (бывш. Полиграф) на факультете графических искусств. В 2018 году стала лауреатом на Международном конкурсе книжной иллюстрации «ОБРАЗ КНИГИ», а годом ранее вошла в шорт-лист BoekieBoekie «Start Award» в Роттердаме. В 2023 году стала участником арт-резиденции «Lami genolini» в Италии. О своём творчестве художница говорит так: «Особое место в моей художественной практике отдано воспоминаниям. Заимствуя сюжеты из детства, личных переживаний и потрясений, я наблюдаю за тем, как избирательна память. Мне интересны и незначительные события, не окрашенные сильным эмоциональным переживанием: воссоздав их в деталях, я взращиваю из них полноценные образы. Однако эти интерпретации — не самоцель, а возможность диалога со зрителем: мне важно не просто рассказать свою историю, но оставить пространство для истории другого. Через сюжеты и образы моих работ я приглашаю зрителя рассмотреть и вспомнить самого себя, обнаружить связь с собственным прошлым, почувствовать, что в любом своём опыте он не одинок. Реальная, существующая в моей памяти история становится импульсом к возникновению альтернативного сюжета на холсте — с вымышленными деталями, додуманными образами и новыми значениями. Я представляю, как выглядел бы этот иной, независимый от временного контекста мир, где сосуществуют разные события и персонажи. Это помогает мне не только исследовать и проживать внутреннюю боль или травму, но, отпустив их, дать место новому опыту — особенному и прекрасному. Обнаружить, что именно он делает нас теми, кто мы есть. Оставлять зрителю пространство для свободной интерпретации и домысливания мне помогают намеренно искажённые формы и сюжетная многослойность, скрытая в яркости экспрессии и цветоформы моих работ. Некоторые художественные приёмы я заимствую у наивного и абстрактного искусства, но не ограничиваюсь ими, а исследую живопись как инструмент для нового прочтения хорошо знакомых вещей и явлений». Художница живёт и работает в Москве.

«Волигамси» — это псевдоним художника. Его настоящую фамилию Вы узнаете, прочитав это слово наоборот. Живописная манера Рината — такая, какой она представлена в 11.12, — сложилась в двухтысячных. Работы обрели ироническую и одновременно философскую осмысленность, а также его фирменную ретрофотореалистическую манеру. Творческий путь Волигамси сложен, полон кризисов и переосмыслений, поскольку художник неизменно ставит перед собой сверхзадачу — выявлять самое сложное и глубокое. Его работы одновременны интересно и понятны  — благодаря тому, что художник выражает себя сверхточным живописным языком. Мир Рината Волигамси овеян ореолом чего-то неосознанно-необъяснимого. Несмотря на свою нарочитую безлюдность, в нем всегда происходит множество странных явлений. Конкретный источник сложно идентифицировать, будто бы само сущее оказалось наделено невиданными силами, деформирующие реальность вокруг. Эдакий параллельный мир с искаженными правилами бытия. Подспудно ощущается чувство тревоги, хотя явно на это ничего не указывает. И вроде бы явно, что подобная гипетрофированность не должна приниматься за правду, но псевдодокументальность все равно пытается обмануть мозг. В пику напряженного эмоционального состояния наши глаза могут видеть то, чего на самом деле нет, заставив нас поверить в чудеса. В творчестве Рината Волигамси образ человека никогда не был в фокусе внимания, выступая скорее частью интерьера или пейзажа - в зависимости от того, куда помещал его художник. Но именно в последние годы он постепенно начинает превращаться из фонового стаффажа в активного участника. Люди в его работах по-прежнему неодушевленные, без каких-либо индивидуальных характеристик, напоминающие химерических монстров с несколькими парами ног или геометрические фигуры, раздутые в сложных комбинациях. Но они выходят на первый план, занимая собой всё пространство картины. Волигамси как будто знакомит нас с населением своих фантастических деревень или бесконечных интерьеров. Ринат Волигамси лауреат Государственной премии России в области литературы и искусства 1994, лауреат Премии им. Репина 2014, Номинант Премии Кандинского 2014. Работы художника находятся в коллекциях Московского музея современного искусства, Государственного Русского музея, Фонде Владимира Смирнова и Константина Сорокина, Redbase Contemporary Art Foundation, Foundation Frances, White Rabbit Collection, коллекциях Игоря Цуканова и Романа и Софьи Троценко и других музейных и частных коллекциях. Художник живёт и работает в Уфе.

Василий Слонов — российский художник, живет в Красноярске. Он — участник и призер многих краевых, национальных и международных художественных проектов. Родился 17 сентября 1969 года в селе Шушенское, Красноярского края. С 1985 года по 1991 год учился в Красноярском художественном училище им. В.И. Сурикова. По его собственному признанию, он — убежденный и последовательный противник эпатажа. В 2013 году его персональная выставка «Welcome! Sochi 2014» в рамках фестиваля «Белые ночи» послужила поводом для увольнения галериста Марата Гельмана с должности директора государственного Пермского музея современного искусства PERMM. Гельман был уволен с поста директора после того, как открыл в музее три выставки, проходившие в рамках фестиваля. Среди них были и картины Слонова — плакаты с изображениями Чебурашки в образе огромного монстра, олимпийских колец в виде петель виселицы, Сталина с клыками вампира и кровоточащей березы. Художник создает много работ из ваты. 28 сентября 2015 года Слонов подарил Красноярску ватную скульптуру под названием «Сердце родины», которую установили на площади перед Красноярским музейным центром. По его словам, свое произведение он назвал так, потому что оно такое большое и теплое и «предсказуемо почерневшее от пота и крови уже ушедших поколений». С 2011 года Слонов сотрудничает с 11.12 GALLERY на Винзаводе. В 2015 году там прошла его выставка под названием «Ватники Апокалипсиса», большинство экспонатов для которой были созданы из ваты. Известными работами художника также являются мухобойки с лицами известных политиков, кокошники с символами таких организаций, как КГБ, ФСФ и ГУЛАГ, нефтекомары, которые извлекают нефть из глубин планеты на поверхность, ароматизаторы для машин «Гулаг парфюм» с запахами мухоморов, леса и мха и т.д.

Алексей Алпатов родился в 1968 году в Москве. Закончил Московский институт радиоэлектроники и автоматики, но решил связать себя с живописью. Природа и город – главные персонажи картин Алексея Алпатова, и именно поэтому излюбленный жанр художника – пейзаж. Не смотря на то, что работы отличает монохромная холодная цветовая гамма, эта живописная палитра, наполненная внутренним свечением, формирует его неповторимую манеру. Отдельной главой в творчестве Алексея Алпатова выступает тема моря, которое художник изображает в разнообразных состояниях – от безоблачного штиля с пришвартованными лодками до ночного урагана посреди океана. Лет десять назад иллюзионизм Алпатова прорастал сквозь наслоения газетных обрывков, фрагментов текста, экспрессивных потеков краски. Он брал за основу препарированное фотографическое изображение и освобождал снимок из двумерных тисков. Отсюда городские руины в ранних работах Алпатова, отсюда коллажная техника и работа сериями. Заметно, что многие городские сюжеты Алпатова написаны со взгляда автомобилиста, а не пешехода. Прием этот выглядит необычно, но является неизбежным следствием использования фотоснимка как ориентира для создания картины. Именно по такому принципу построена серия работ «Дальний свет». Ночные проселочные дороги, ярко и локально освещенные фарами автомобиля, предстают в образе таинственной реальности, от которой неизбежно ждешь какого-то подвоха. Серия «Summertime» на контрасте выглядит практически фотореалистичной, хотя в ее основе как раз лежит образ беспечной американской идиллии: ностальгическая мечта о безвозвратно ушедшем прошлом, которая постепенно размывается в памяти. В итоге остаются обрывочные фрагменты, которые лишь отчасти достоверны, а все пробелы в них заменены безупречными и идеальными картинками, отчего воплощенные воспоминания больше напоминают кадры из несуществующих, но таких прекрасных фильмов. В своей последней на данный момент серии «Пустой эпизод» Алпатов также отталкивается от принципа фотографии. Перед зрителем уже не просто городские пейзажи, а пропущенные эпизоды, которые обычно добавляют в фильмы лишь для придания особой атмосферы, у художника же становятся полноценным высказыванием. В настоящее время Алексей Алпатов живет и работает в Москве.

Анна Селина родилась в 1990 году в Москве. С 2006 по 2012 год училась в Московском Государственном академическом Художественном училище памяти 1905 года. Затем в 2013 году окончила Свободные Мастерские при Московском музее современного искусства. В 2017 году окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова по специальности «Живопись» (мастерская Айдан Салаховой). С 2015 года является членом Творческого Союза Художников России. Авторский метод Анны Селиной не содержит повествования как такого. Художник делает выбор в сторону изобразительности при отсутствии явной концептуальной составляющей. Маркеры совмещения техники «старых мастеров» и символов современного мира здесь органичны. Эклектичная атмосфера произведений при этом едина: в ней с легкостью уживаются знаковые образы разных столетий. У художника под слоями живописи зашифрованы нечитаемые символы, похожие на личные, нерепрезентативные воспоминания. Отсюда каждая работа – самодостаточна, в ней есть конечное высказывание: это не пазлы и не фрагменты, которые нужно сгруппировать в нечто целое. Композиционно и пластически их объединяет отношение к живописному пространству, так художник формирует собственную фантастическую картину мира. В выстроенной автором действительности нет места для недостатков и искажений, потому как она лишена всех предустановок. Персонажи гармоничны по отношению к окружающей среде, но, одновременно с тем пребывают в состоянии тревожной неопределенности, в напряженном ожидании нового, неизвестного. Вместе с тем, жизненный цикл их мира стремителен. В нем первое же большое событие становится тождественным Большому Взрыву. Крушение старого фундамента запускает процесс формирования первооснов уже новой действительности, где шарнирных кукол можно собрать заново. Художник синтезирует ощущения разрушения и созидания в единый эмоциональный сплав и транслирует это на холст. На данный момент художник живет и работает в Москве.

«Волигамси» — это псевдоним художника. Его настоящую фамилию Вы узнаете, прочитав это слово наоборот. Живописная манера Рината — такая, какой она представлена в 11.12, — сложилась в двухтысячных. Работы обрели ироническую и одновременно философскую осмысленность, а также его фирменную ретрофотореалистическую манеру. Мир Рината Волигамси овеян ореолом чего-то неосознанно-необъяснимого. Несмотря на свою нарочитую безлюдность, в нем всегда происходит множество странных явлений. Художник живёт и работает в Уфе.

Алексей Алпатов родился в 1968 году в Москве. Закончил Московский институт радиоэлектроники и автоматики, но решил связать себя с живописью. Природа и город – главные персонажи картин Алексея Алпатова, и именно поэтому излюбленный жанр художника – пейзаж. Не смотря на то, что работы отличает монохромная холодная цветовая гамма, эта живописная палитра, наполненная внутренним свечением, формирует его неповторимую манеру. Отдельной главой в творчестве Алексея Алпатова выступает тема моря, которое художник изображает в разнообразных состояниях – от безоблачного штиля с пришвартованными лодками до ночного урагана посреди океана.