Художник, представитель поколения, пришедшего на смену нонконформистов- шестидесятников. Закончил художественно-графический факультет педагогического института в Москве (1984). Ученик Алексея Каменского (1927-2014) и Юрия Злотникова (1930-2016). Выставочную деятельность ведет с 1979 года в России, Европе, Америке, Индии, Китае. В 1980-х начал профессиональную работу с палитрой дымчатых серых и белых оттенков в жанре пейзажа, развивая идеи эскапизма и минимализма в живописи. Пейзаж в видении Крунова приобретает признаки обобщения с горизонтальными холмами, парками, перспективами. В это время художник разрабатывает технику многослойной живописи и добивается растушевки границ изображения и пастозности в структурах мазков. С точки зрения эмоционального, чувственного, содержания картин художника в этот период увлекает передача вдумчивых настроений и эффекта медитативных практик индийской йоги. В 1990-х Крунов работает, формируя свою сакральную символическую палитру на научных идеях В.И. Вернадского, Н.В. Федорова. Он пишет образы человеческих фигур и птиц, эта серия работ была представлена художником в итальянском городе Падуя. С 2000 по 2020 Крунов работает с русским искусством на европейском и русском рынках в качестве арт-директора Nadya Brykina galley в Цюрихе и Москве. В результате работы галереи плеяда важных русских художников нонконформистов 60-70-х годов становится известной и собираемой среди европейских коллекционеров.

Сергей Сонин родился в 1968 году в Смоленске. Художник, режиссер, сценарист и продюсер. Учился в Санкт-Петербургском государственном университете кино и телевидения. Елена Самородова родилась в 1973 году в Москве. Архитектор, художник-постановщик и фотограф. Училась в Московской художественной школе №1 и окончила Московский архитектурный институт, группу Экспериментального Учебного проектирования (1998). Сергей Сонин и Елена Самородова (Товарищество «Свинец и Кобальт») – мультимедийные художники, работают в двух столицах: Москве и Санкт-Петербурге, основатели ряда художественных объединений. Работы находятся в коллекции Музея Москвы, Красноярского музейного центра «Площадь Мира», Мультимедиа Арт Музее и в частных коллекциях. Последние полтора десятилетия художники продолжают непрерывные эксперименты, обыгрывая в своих работах воображаемые реконструкции культурно-исторического настоящего, прошлого и будущего мира, наполняя их новым содержанием. В своих мистификациях они также обращаются ко времени, сокращая или продлевая его ход, устанавливая «свои» авторские представления и рамки.

Марина Бусел - известный дизайнер интерьера, декоратор, чьи уникальные проекты реализованы в разных странах мира. Вдохновляясь природными явлениями, древними артефактами, примитивным искусством, произведениями творческих гениев прошлого и настоящего, с 2023 года Марина создает объекты коллекционного дизайна и искусства. В пропорциях объектов Марины закодирована закономерность чисел ряда Фибоначчи, лежащая в основе самой природы, благодаря этому предметы обладают гармоничной эмоциональной аурой. Ручная работа, визуальная простота, природные материалы наполняют их уникальным чувственным воздействием. Минималистичный дизайн и скульптурные формы выходят за границы традиционных образов и структур. Смысл концепции свободен и имеет большое ассоциативное поле. Предметы соединяют в себе природное и символическое, чувственное и концептуальное, что является безусловными составляющими актуального искусства и дизайна.

Скульптурную практику Валентина Коржова можно охарактеризовать как абсолютную пространственность, устремленную к динамической эстетике пространства. Под влиянием феноменологии Хайдеггера и его необычной концепции ничтожности как фундаментальной основы существования, Коржов помещал свои скульптурные интервенции - загадочные нарративы о материи и самости - в онтологическую точку ноль, в пустоты. Через противопоставление зловещих скульптурных композиций и физических пустот бесплодных полей и пустых поверхностей возникает третье пространство неограниченной пространственности. Валентин Коржов был членом секции скульптуры Московского союза художников, его персональные выставки проходили в Фонде культуры «Екатерина», Государственном Музее им. Дарвина, Центре Современного Искусства «Винзавод», Воронежской Академии Искусств и других. Экспозиция «Археология Памяти» демонстрировалась в качестве параллельной программы в ходе V Международного Московского Биеннале Современного Искусства. В 2018 году проект «BEING & TIME» вошел в состав основных проектов VIII Ташкентской Международной Биеннале современного искусства, а в 2020 году Валентин стал финалистом XIV Международной Премии Arte Laguna и в марте представил свою инсталляцию «THE BRAIN THAT PASSED AWAY» в Венеции. Коржов жил и работал в Москве. Трагически погиб в 2022 году в результате автомобильной аварии.

Олег Доу – псевдоним художника Олега Дурягина. Родился в 1983 году в Москве. Окончил Московский Институт Стали и Сплавов по специальности «программирование в экономике». С детства интересовался искусством, увлекся созданием компьютерной графики. В 2005 году занялся фотографий и стал совмещать ее с постобработкой. Работает в различных медиа от цифровых изображений и видео до скульптур. Лауреат международной премии International Photography Awards (2007), International Color Awards (2008) и Arte Laguna Art Prize (Италия, 2009). Номинант Премии Кандинского в 2007 и 2008 годах. Олег Доу обращается к фундаментальной пульсации человеческого существования: таинство рождения и хрупкость детства, проявления сексуальности и неотвратимость смерти. Визуальным лейтмотивом проекта становятся образы текучести и жизненной субстанции: молоко, сочащееся из разломанной стрелы в чашу, или белые капли, подобные соку, проступающие на лепестках цветов. Эти образы символизируют и питание, и уязвимость, исток жизни и ее эфемерность. Эстетику автора можно назвать «цифровым барокко» - изображения отличаются сложностью композиции, драматизмом света и детализацией, свойственной классической школе, переосмысленными через призму современных технологий. Скульптуры же, находящиеся на стыке искусства и дизайна, материализуют идеи через необычные, провокационные материалы. Силикон, имитирующий живую плоть, становится ключевым средством выражения, создавая объекты, которые одновременно притягивают и отталкивают своей почти органической телесностью.

Родился в 1983 году в Кемерово. Окончил Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А.Л. Штиглица на кафедре монументально-декоративной живописи, мастерская проф. В.Г. Леканова (2004-2010) и Кемеровское художественное училище на живописно-педагогическом отделение (1999-2004). Работы художника находятся в Русском музее. В своих работах Кирилл рассматривает идею глобализации как метафору библейским сюжетам, используя стилистику, отсылающую к эстетике Высокого Возрождения. Котешов препарирует эстетику классического изображения тела, исследуя мотив, напоминающий поздние скульптуры Микеланджело из серии "Рабы" – закрученные в спирали тела, где-то неоконченные, почти не высеченные из камня.  Художник также создает индустриальные пейзажи, трансформированные в футуристичные образы города, используя кузбасслак — каменноугольную смолу, что отсылает к промышленному контексту малой родины.

Григорий Орехов - художник и скульптор, родился в Москве в семье выдающегося советского скульптора, академика, народного художника России Юрия Орехова. Его творчество характеризуется совершенством формы и метафорической глубиной. Одной из его значимых работ является скульптура "Неваляшка Агата", созданная в честь дочери художника. Рождение Агаты стало вдохновляющим и значительным событием в жизни Григория, ярко отразившись в этом произведении. Григорий Орехов известен своими проектами в направлении паблик-арта и ленд-арта. Григорий Орехов является постоянным участником международной ярмарки современного искусства "Cosmoscow". В 2017 году принял участие в международной выставке "Start" в "Saatchi Gallery" в Лондоне.  В 2017 году Григорий Орехов установил скульптуру "Агата" высотой 4 метра у парадного входа в ГУМ на Красной площади, а спустя два года она украсила архитектурный ансамбль Столешникова переулка, став центральным элементом городского пространства Москвы. В 2019 году Григорий Орехов стал первым современным художником, представившим свою работу в историческом пространстве Государственного музея-заповедника "Петергоф" – скульптурной композицией "Вечность", посвященной 220-летию со дня рождения А.С.Пушкина. Также в том же году на 58-ой Международной Венецианской Биеннале он представил сайт-специфическую инсталляцию "Спасение" в саду и на фасаде Scuola Grande della Misericordia.

Родился в 1994 году в Уфе. Выпускник Московского Государственного Технического Университета им. Н.Э. Баумана (2012-2018) и Школы современного искусства «Свободные мастерские» при ММОМА (2021-2022). Живет и работает в Москве и Париже.  Работы Артура находятся в частных собраниях.  В работах Артура абстракция — способ познания и фиксации процессов изменчивости окружающего мира и принятия решений, влияющих на нашу жизнь. Картины художника начинаются с единичной точки на холсте и завершаются многослойной массой элементов, подобно нашим мыслям, которые накладываются и переплетаются между собой для дальнейших действий. Окончательный исход той или иной работы художнику изначально никогда неизвестен, однако работа над полотном не является чистой импровизацией, а скорее мыслительным процессом, принятием решений и выбором, который человек обречен совершать бесконечно.

Вероника Смирнофф - британская художница русского происхождения (родилась в Москве, Россия, 1979). Получила степень бакалавра в Школе искусств Слейда и диплом аспиранта в Королевской академии искусств. Свою первую персональную выставку она провела в галерее Риккардо Креспи в Милане (2008). Смирнофф выставлялась в Москве, Париже, Берлине, Нью-Йорке и Лондоне. Она была выбрана для участия в конкурсе John Moores Painting Prize UK (2010). Она живет и работает в Лондоне. Постоянно переосмысливая и отсылая к ренессансу и иконописи, фольклору и азиатским традициям, картины строятся с использованием традиционных элементов - хрупкости гессо и твердости дерева, с пигментом, измельченным из полудрагоценных камней, смешанным с яичным желтком и вином для приготовления красок. Деревянные опорные доски сделаны из дуба в русских монастырях и освящены. Слой за слоем поверхность покрывается текстурой, а затем шлифуется до осадочной поверхности. Смирнофф увлекает идея «иконы» как объекта поклонения и ее тесная связь с «народным искусством» с широким репертуаром знаков: плоская лепка фигур, условное пространство и абстрактные эффекты цвета. "Все любят хорошие истории — это детское чувство глубоко укоренилось в нашей коллективной памяти. Оно пробуждает древний инстинкт элементарного удивления и изумления, которым мы когда-то обладали. Как и в хорошей истории, видение всегда находится под запретом. Всё удивительное зависит от чего-то одного, что скрыто. Оно таит в себе потенциальную драму в изобразительном плане, когда глаз медленно открывает и со-творяет смысл. Детали скрыты, но важны. Работая с яичной темперой по дереву, одной из древнейших и самых изысканных техник, я использую элементы иконописи и живописи раннего Возрождения, азиатских традиций и народного искусства, а также современные культурные отсылки. Этот особый визуальный язык отчасти пропитан моими славянскими корнями, но, очевидно, навеян и другими источниками — я беру материалы, символы, идеи и жесты из множества источников и переосмысливаю их в процессе трансформации живописи. В некотором смысле я использую этот процесс, чтобы придать своим сюжетам смысл и значимость, постоянно исследуя и переосмысливая образы как снаружи, так и изнутри. Техника яичной темперы играет ключевую роль в своей методологии, работая с её текстурой и текучестью, оставляя просторы цветовых слоёв и мазков кисти на произвол судьбы при высыхании в горизонтальном положении. Как по волшебству, поверхность становится проницаемой, а сложная детализация в некоторых местах призвана подчеркнуть диалог между абстракцией и фигуративностью, аллегорией и материализацией. Я создаю рисунки из крошечных точек или толстых контуров, а затем, следуя технике старых мастеров, переношу изображения на грунтованную доску. Идеи возникают из свободных набросков, особых ощущений от окружающего мира, из записей впечатлений, что приводит к сочетанию различных регистров и взаимного расположения объектов, плоскостному формированию поверхностей и искажению перспектив. Существует намеренное противоречие между тем, насколько я признаю оригинал, и тем, насколько я руководствуюсь чистой интуицией, когда традиционные наблюдения и приближения связывают разрозненные образы воедино и превращают их в открытые повествования со своей внутренней логикой и вечной надеждой на голубое небо впереди". — Вероника Смирнофф, художник

Дишон Юлдаш – художница и основатель московской галереи ISSMAG. Живет и работает в Москве. Закончила Институт современного искусства Им. Иосифа Бакштейна: курс «Новые художественные стратегии» по специальности «современная художественная практика» мастерская Стаса Шурипы. Дишон Юлдаш работает со скульптурной средой. Основной задачей работ выступает изучение текучей среды форм, физическое влияние материалов, флюидные конструкции, новые формы практики как терапия восстановления. В качестве резидента «Мастерские Рихтера» художница Дишон Юлдаш создала дизайн флакона для парфюма «Рихтер» с ароматом ладана и черной смородины от Матвея Юдова. Является основателем некоммерческого проекта Prolog.Vision, в рамках которого была реализована групповая выставка "Плановое устаревание" куратора Александра Буренкова, получившего за выставку премию "Инновация - 2017" в номинации "Куратор года».

Родился в 1987 году в Копейске Челябинской области.  Окончил Челябинское художественное училище (2007) и отделение графики (мастерская Андрея Алексеевича Пахомова) Санкт-Петербургской государственной художественной академии имени И. Е. Репина (2014). С 2014 по 2017 год обучался в творческих мастерских Российской академии художеств в Санкт-Петербурге. За время обучения участвовал в выставках и конкурсах в России, Корее и Китае, сотрудничал с ГОЗНАКом (Монетный двор). Работы Павла находятся в коллекциях Музея Фаберже, Фонда BREUS, частной коллекции главы Дома Guerlain, а также в частных коллекциях многих стран, в том числе России, Франции, Кореи, США и Китая. В своих работах Павел запечатлел процесс внутренних метаморфоз, происходящих внутри человека при восприятии чего-то, приходящего извне. Получив академическое художественное образование, Павел продолжает развиваться в различных современных медиа, экспериментируя с художественными языками, однако большую часть его визуальной практики составляет черно-белая графика. В своих работах художник часто сталкивает академический рисунок с современными тенденциями, исследуя границы нормальности и субъективности, реальности и мистики.