Глеб Баранов Краснодар, 1991 г. Глеб Баранов — российский художник, живет и работает в Краснодаре. В своей практике исследует феномен этической нормы, ее границы и изменчивость в разных сообществах, а также ее взаимодействие с эстетикой. Художника интересует, как этические нормы проявляются и конструируют реальность в зависимости от контекста. В своих работах Глеб также обращается к темам желания и отчуждения, задавая вопросы о природе наших истинных желаний и способности их распознать.   Центральным принципом его практики является идея путешествия как погружения в чуждую среду с иным языком и этическими нормами. Это позволяет актуализировать интуитивное взаимодействие с миром и подчеркнуть рассинхронизацию человека с реальностью. Художник задает вопрос о том, способны ли мы реагировать иначе в новых обстоятельствах. Глеб черпает вдохновение из личного опыта: работы моряком, увлечения японской массовой культурой, путешествий по цифровым ландшафтам видеоигр и ведения дневниковых записей. В своих работах он использует живопись и графику, применяя насыщенные цвета для передачи интенсивности момента. В своем подходе к искусству Глеб Баранов опирается на традиции поп-арта, где ключевое значение имеют медийные образы, встроенные в повседневность. Он переосмысляет традицию для обозначения своей критической позиции по отношению к сложившемуся дискурсу современного искусства. Глеб предлагает взглянуть под иным углом на «любительские», не конвенциональные практики, чтобы показать их актуальность и потенциал в наши дни.

ПАВЕЛ КИСЕЛЁВ (PAVEL KISELEV) Москва, 1984 г. Российский художник, окончил Институт проблем современного искусства и Британскую высшую школу дизайна по специальности Современное Искусство. Мультидисциплинарный художник, участник большого количества персональных и групповых выставок в России и других странах. Лауреат международных премий в области современного искусства. Павел Киселёв создает оригинальные абстрактные панно из многочисленных деревянных деталей, сопоставляя их, словно фрагменты мозаики. Зачастую в качестве «деталей» выступают известные образы из шедевров мировой классической живописи, в иных случаях – случайные, запечатлённые художником на камеру, незнакомцы. В основном это монохромные человеческие фигуры, в совокупности представляющие собой обезличенное множество, условную «толпу», по сути – коллаж из фрагментов изображений, которые утрачивают первоначальный смысл и ценность, образуя вторичный продукт и фактически превращаясь в информационный шум. Серия «Тайное общество восьми углов» представляет собой цикл работ, основанных на масштабной легенде, созданной самим художником. В соответствии с «легендой», в рамках раскопок в центре Москвы были найдены древние артефакты, принадлежавшие неизвестной цивилизации. Именно они, по задумке художника, и стали основой нашего культурного кода. Так выставочный проект превращается в уникальную игру с огромным пластом псевдонаучной информацией, которая одномоментно приводит к появлению целого мира со своими обычаями и артефактами – как бытовыми, так и ритуальными, - способными убедить неискушенного зрителя в абсолютной реальности происходящего.

Маша Руденко  1985, Таганрог, Россия Маша Руденко  – мультидисциплинарная  художница: её практика сочетает в себе  перфоманс, видеоарт, фотографию, коллаж, живопись, бодиарт, смешанную технику. Свободная в поиске, уверенная в себе  девушка из Таганрога, в 17 лет переехавшая  в Лос-Анджелес строить карьеру модели, влюбившаяся в искусство в Париже, исследующая возможности современного  искусства и разные медиа как средства  передачи художественной задумки. Маша начала свой путь в качестве художницы  в 34 года с проекта Mashpit: это был настоящих  перфоманс-перевоплощение, результатом  которого стали фотографии, фиксирующие  Марию в образах Фриды Кало, Сальвадора  Дали, Квентина Тарантино, Вуди Аллена и других не менее знаковых личностей. Этот  проект родился во многом благодаря карьере  модели: умение мастерски перевоплощаться, адаптироваться и примерять на себя  несвойственные ранее образы. В 2017 году  проект был показан в Allouche Gallery в Нью- Йорке, а в 2019 в Who I Am Gallery в Москве. В 2019 году Руденко сотрудничала с пионером  дизайна и архитектором Гаэтано Пеше  (Gaetano Pesce), работая над смешанным  медиа-проектом «7 Deadly Sins». Фото-работы Руденко были проданы на аукционах SCO Family services (2017) и Indixia  (2019). В 2020 году Маша сотрудничала с Destination  AMA и The Home Лос-Анджелеса, для  поддержания местного сообщества бездомных  людей, вдохновляя окружающих на заботу об экологии и переработку мусора. С марта по май 2021  года видеоарт Марии «Unseen» совместно с Moscow public fund, был  показан на площадке Moscow City. Во время путешествий Руденко разработала особую технику коллажа с использованием бумаги на холсте, решив не использовать краску. Это привело её к созданию узнаваемого художественного стиля. Также особой спецификой работ является то, что Маша использует тело в качестве основного  инструмента и средства для экспериментов, способа понимания мультикультурализма.

Даниил Соболев  п. Восточный, 1991 г. Художник-самоучка из Петербурга, работающий в жанре экспрессивного примитивизма. Главными героями его картин являются наивные персонажи, раскрывающие себя в простых, но вместе с тем аллегорических сценах. Наивная живопись Дани Соболева сформирована под влиянием детского рисунка, но примитивная экспрессия оказывается воплощением довольно сложных эмоциональных состояний. Так, в серии работ «Паниковать вместе» художник говорит о внутреннем и коллективном проживании тревоги и ее причинах. А в серии работ «Поскорее бы завтра» исследуются такие чувства, как саспенс, апатия и паника. Человек, погруженный в эти чувства, для художника сравним с жабой, застрявшей в опасном и вязком болоте. За внешним спокойствием скрыты глубокие внутренние переживания и желание поскорее выбраться, надежда на светлое «завтра», которое вот-вот настанет. Каждая картина — это глубокое погружение в мир эмоций. Несмотря на привычные ассоциации с мрачным болотом, художник стремится раскрыть его скрытую красоту и многообразие. Проводя параллели между сложными жизненными ситуациями, Соболев намекает на то, что не всё так безнадёжно. Паника, как правило, управляет нами и заставляет преувеличивать проблемы. Но, подобно тому как болото, рассматриваемое под другим углом, открывает перед нами удивительный и живописный мир, так и трудности могут привести к неожиданным открытиям. Они способны сосредоточить наше внимание на доброте и радостях жизни, открывая новые горизонты даже в самых непростых обстоятельствах. С помощью простых и хаотичных линий Соболев демонстрирует, что эмоциональность и колористика мазка может доминировать над структурностью и академической выверенностью композиции.

Хуан Мигель Паласиос  Мадрид (Испания), 1973 г. Хуан Мигель Паласиос - современный испанский художник, живет и работает в Нью-Йорке. В возрасте двенадцати лет он поступил на обучение в студию знаменитого испанского академиста Амадео Рока Гисберта, где получил классическое художественное образование. Художник работал в академической живописной манере до поступления на факультет изящных искусств Университета Комплутенсе в 1991 году. В это время начала формироваться его авторская манера. В 1997 году Хуан Мигель Паласиос основал Художественную школу Laocoonte и в течение последующих десяти лет совмещал преподавательскую деятельность с работой в различных жанрах и областях искусства. Паласиос был сценографом, муралистом, создавал постеры для кинофильмов и провел более двадцати персональных выставок в галереях Испании и Европы. Широкую известность художнику принесла его серия «Wounds», в которой Паласиос создает целую галерею человеческих эмоций. Это может быть радость, страх, ужас или грусть. В картинах правда реалистически точно переданных женских и мужских образов соединяется с фактурой гипсокартона и сухой штукатурки, и возникают картины, в которых жизнь изображается в противоборстве с силой времени. Богатая текстура материала подчеркивает жизненную энергию образов, буквально пронизывающих зрителя. Работы Хуана Мигеля Паласиоса находятся в частных коллекциях Европы и США, художник провел более 20 персональных выставок в Испании, Франции и США.

Мир Опхайма – мир детских фантазий, страхов и мечт. Кстати, сам художник построил свой творческий путь благодаря мечте: он получил образование востоковеда и экономиста в Колледже святого Олафа, однако надеялся однажды реализовать себя в искусстве. Начав как абстракционист, художник затем отошел от этого направления и создал свой собственный, очень необычный и немного провокационный стиль. Питер Опхайм провел ряд персональных национальных и международных выставок,  получил грант фонда "Pollock-Krasner Foundation". Его работы входят в коллекции нью-йоркских и южнокорейских музеев, другие стали достоянием частных коллекций, таких, как Hallmark, Northwest Airlines, и коллекция Venetian Hotel в Лас Вегасе. Постоянное участие в международных ярмарках принесло художнику известность по всему миру, а исключительный почерк и уникальный язык произведений – любовь и признание публики.

Хуан Юлун (Huang Yulong) Аньхой (Китай), 1983 г. Хуан Юлун, родившийся в китайской провинции Аньхой, - современный молодой скульптор, отмеченный американским журналом Complex как "один из двадцати пяти современных китайских художников, которых мы должны знать". Его работы, полные напряжения индивидуальности и просветления, всегда могут прямо и точно отражать типичные формы уличной культуры и идеально сочетать традиционные и современные элементы, восточную и западную эстетику. Он родился в 1980-х годах, вырос в традиционной системе образования Китая и прошел через реформы и открытость по отношению ко всей стране и народу. Перемены в семье, в которой он родился, и стремительный прогресс общества повлияли на его развитие в меняющиеся времена. Он рос в одиночестве, в окружении различных ограничений; поэтому появление хип-хоп культуры высвободило его подавляемую индивидуальность, повлияв на его будущее отношение к жизни и художественному творчеству. Хуан Юлун - выдающийся современный художник, обладающий собственной осведомленностью, мировоззрением и мыслительными способностями, чьи произведения не соответствуют спокойствию, отраженному в традиционной китайской культуре, демонстрируя трансформацию международного статуса Китая, то есть превращение его из страны без какой-либо помощи в нацию с высокой конкурентоспособностью. Используя различные средства и материалы для создания своих работ, полных национальной уверенности, интернационализации и дальновидности, он всегда находится на пути к раскрытию своей индивидуальности. Для создания своих скульптур Хуан Юлун использует сочетание разных грубых и, наоборот, «мягких» материалов. Например, одни из наиболее важных для него скульптур выполнены на основе цемента и фарфора. Несмотря на использование цемента, скульптуры выглядят хрупкими. В других же в качестве основного материала использована смола. А остальные работы выполнены из металла: бронзы, алюминия, нержавеющей стали и прочих материалов. Основным образом, воплощенным в скульптурах, выступает молодой человек с накинутым на голову капюшоном. Тем самым художник отражает уличную культуру своей страны, показывает обычных людей, которых можно встретить, прогуливаясь по китайским улицам. Это важный маркер времени. Антропоморфная скульптура без ярко выраженных черт лица представляет собой человека с явно выраженными чертами характера. Мы всегда видим сильных, думающих, познающих себя и мир людей.

Павел Баган - художник, который реализует свой творческий потенциал в цифровых направлениях: 3D-печать, цифровая печать и её разновидности, стерео-варио. Это популярные материалы для современного поколения, но в то же время они окружали художника с самого детства. В творчестве Павла раскрывается влияние общества на человека как эмоциональное и психологическое отражение, защитные барьеры и страхи.  Основная цель — раскрыть суть человека, обратиться к его глубинному началу и истинному «я», которые нашли жизнь и развитие в творчестве. Часть работ Павел создает с помощью цифрового искусства, которое близко ему по духу и занимает большую часть его творческого пути. Важная цель этих работ — донести свои чувства, напомнить о чем-то важном, погрузить в свой мир и помочь вспомнить давно забытые переживания. Для автора важна не только техника исполнения работ, но и идея, а также её реализация. В мире, наполненном болью, жалостью, одиночеством и непониманием, Павел отражает свою реальность, в которой отображает лучшее в мире и стремится наслаждаться каждым днём. В каждом человеке уживаются как темное, так и светлое начало. Основной вопрос творчества художника: как часто человек обращается к свету и обнимает ли своего внутреннего ребёнка? 

Зайцев Пётр – известный московский архитектор, сооснователь za bor architects. Пётр успешно реализовал десятки архитектурных проектов в Европе и Азии. Одни из самых знаменитых – станция Московского Метрополитена «Нагатинский Затон», офисы компаний Яндекс, Badoo, Castrol. Добившись успеха в выбранной профессии, Пётр решил отойти от функциональных задач, которые ставит перед ним архитектура, обратившись к пластике объёмов, и в 2018 году начал выпускать авторские скульптуры и предметы дизайна. В своих работах Пётр использует натуральные материалы и сочетания различных естественных текстур. Основной материал — бетон — отсылка к архитектурному прошлому скульптора. Для работы с этим материалом Петром была разработана авторская техника отливки. Сегодня работы Петра Зайцева можно увидеть в галереях современного искусства и частных коллекциях.

1984, Москва Российский художник, родился в 1984 году в Москве, окончил Институт проблем современного искусства и Британскую высшую школу дизайна по специальности «Современное искусство». Мультидисциплинарный художник, участник большого количества персональных и групповых выставок в России и других странах. Лауреат международных премий в области современного искусства. Павел Киселёв создаёт оригинальные абстрактные панно из многочисленных деревянных деталей, сопоставляя их, словно фрагменты мозаики. Зачастую в качестве «деталей» выступают известные образы из шедевров мировой классической живописи, в иных случаях – случайные, запечатлённые художником на камеру незнакомцы. В основном это монохромные человеческие фигуры, в совокупности представляющие собой обезличенное множество, условную «толпу», по сути – коллаж из фрагментов изображений, которые утрачивают первоначальный смысл и ценность, образуя вторичный продукт и фактически превращаясь в информационный шум. Серия «Тайное общество восьми углов» представляет собой цикл работ, основанных на масштабной легенде, созданной самим художником. В соответствии с «легендой», в рамках раскопок в центре Москвы были найдены древние артефакты, принадлежавшие неизвестной цивилизации. Именно они, по задумке художника, и стали основой нашего культурного кода. Так выставочный проект превращается в уникальную игру с огромным пластом псевдонаучной информации, которая одномоментно приводит к появлению целого мира со своими обычаями и артефактами – как бытовыми, так и ритуальными, – способными убедить неискушённого зрителя в абсолютной реальности происходящего.

Павел Баган – художник, реализующий свой творческий потенциал в классическом и цифровом направлениях. Сияние хрома, теплота бронзы, 3D-печать, цифровая печать и её разновидности, стерео-варио – популярные материалы для современного поколения, но в то же время они окружали художника с самого детства. Такие эмоции, как радость, интерес к окружающей реальности и открытие новых миров, строившихся в его сознании, нашли жизнь и развитие в творчестве. Цель работы художника – сочетать непохожие элементы, подобно тому, как в детстве мы играем с тем, что есть под рукой, без ограничений, а переход из одного мира в другой происходит лёгким движением руки. Часть работ Павел создаёт с помощью цифрового искусства, которое близко ему по духу и занимает значительную часть его творческого пути. Важная цель работ Багана – донести свои чувства, напомнить о чём-то важном, погрузить в свой мир, помочь вспомнить давно забытые переживания. Для автора важны не только техника исполнения, но и идея с её реализацией. В творчестве Павла раскрывается влияние общества на человека – такие психологические явления, как эмоциональное и психологическое отражение, защитные барьеры, страхи. Основная цель – раскрыть суть человека, обратиться к его глубинному началу и истинному «я». В мире, наполненном болью, жалостью, одиночеством и непониманием, Павел отражает свою реальность. В каждом человеке уживаются как тёмное, так и светлое начало. Главный вопрос его творчества: как часто человек обращается к свету и обнимает ли своего внутреннего ребёнка?

**1985, Таганрог, Россия** Мультидисциплинарная художница, чья практика сочетает в себе перформанс, видеоарт, фотографию, коллаж, живопись, боди-арт и смешанные техники. Свободная в поиске, уверенная в себе девушка из Таганрога, в 17 лет переехавшая в Лос-Анджелес строить карьеру модели, влюбившаяся в искусство в Париже и исследующая возможности современного искусства и различные медиа как средства художественного высказывания. Маша начала свой путь в качестве художницы в 34 года с проекта *Mashpit* – перформанса-перевоплощения, результатом которого стали фотографии, запечатлевшие её в образах Фриды Кало, Сальвадора Дали, Квентина Тарантино, Вуди Аллена и других знаковых личностей. Этот проект во многом вдохновлён модельной карьерой Маши: её умением перевоплощаться, адаптироваться и примерять на себя несвойственные ранее образы. В 2017 году *Mashpit* был показан в *Allouche Gallery* в Нью-Йорке, а в 2019 – в *Who I Am Gallery* в Москве. В 2019 году Руденко сотрудничала с пионером дизайна и архитектором Гаэтано Пеше (*Gaetano Pesce*), работая над смешанным медиа-проектом *7 Deadly Sins*. Её фотоработы были проданы на аукционах *SCO Family Services* (2017) и *Indixia* (2019). В 2020 году Маша сотрудничала с *Destination AMA* и *The Home* в Лос-Анджелесе, поддерживая местное сообщество бездомных, вдохновляя окружающих на заботу об экологии и переработку мусора. Специфика творчества Маши Руденко заключается в том, что она использует тело как основной инструмент и средство для экспериментов, способ понимания мультикультурализма.

**1996, Москва** Московская художница, исследующая в своём творчестве связь между фигуративным и абстрактным искусством. Посредством своих работ Ксения Сандеско передаёт внутренние переживания и чувства через женские образы. Её интересует диалог между реалистично изображёнными формами и динамичным абстрактным фоном. Она намеренно отказывается от точной интерпретации окружающего мира, создавая свою собственную – состоящую из хаотичных пятен, сложных переплетений тканей, разнообразных сочетаний цвета и фактуры. Самостоятельная выразительность человеческого тела подчёркивается декоративными элементами фона, которые обрамляют фигуры, словно ювелирные украшения. Область исследования Ксении – природа человеческих эмоций и ощущений, глубинная нежная связь между людьми, а также уязвимость человека перед лицом времени. Сюжеты её работ напоминают яркие сновидения, центральное место в которых занимают воспоминания из детства – прикосновение рук матери или поцелуй любимого человека. Композиционные решения всегда сосредоточены вокруг главных персонажей, а экспрессивная работа с цветом и фактурой масла в сочетании с экспериментальными материалами, такими как текстиль и коллаж, подчёркивает интенсивность эмоциональных состояний, о которых идёт повествование.

**Яблонская Екатерина** Родилась в Москве. Окончила Московский Архитектурный Институт. Работала в России и Италии. Избранные работы представлены в частных коллекциях в Италии и России. Творческий путь художника всегда сопровождал профессиональный путь архитектора, но в какой-то момент они поменялись местами. Работа Екатерины – это всегда движение от простого к сложному, приглашение задуматься над привычными, казалось бы, простыми вещами как над чем-то более глубоким и значимым. Это размышление о хрупкости и уязвимости окружающего нас мира. Первая серия работ была посвящена женщинам в моде и создана на основе фотографий из журнала *VOGUE*. Выполненная в стиле фигуративного искусства и насыщенная графикой, она подчёркивает сложность профессий, связанных с индустрией моды, и раскрывает глубину личностей, выбравших карьеру в этой сфере. *Циклопупа* – это отсылка к детским воспоминаниям о любимых игрушках, которые разделяли волшебные сны, скрашивали минуты грусти и одиночества, были верными друзьями в различных играх. Они не обижались на оторванные лапы, уши и отгрызенные носы. Нашему внутреннему ребёнку и сейчас, порой, не хватает такого преданного, внимательного, близкого друга.

**Даня Соболев** — художник-самоучка, живёт и работает в Санкт-Петербурге. В своих работах он передаёт важные для себя темы через простые, на первый взгляд, сюжеты. Главные герои его картин — наивные персонажи, которые экспрессивно раскрываются в аллегорических сценах. Милые и безобидные образы при ближайшем рассмотрении оказываются моментами крайнего эмоционального и физического напряжения: стадная паника, саспенс, борьба. Дане нравится обманывать ожидания зрителя, создавая эффект неожиданности. Амбивалентность и экспрессия — ключевые черты его художественного языка.