Наталья Семенова — современный российский дизайнер, керамист, основатель студии Gourji Ceramics studio. В своей работе Семенова обращается к наследию делфтского фаянса, советского монументального искусства и паттернам конструктивизма, создавая керамические панно, вазы, сервизы. Работает в старинной голландской технике подглазурной росписи. Гидропланы, парашютисты, будущие летчики, вольную аллегорию мечты советского человека о небе, полетах, покорении новых вершин и переустройству жизни Наталья Семенова транслирует в стилистике сине-белого делфтского фаянса, в эпоху гончарного бума в свою очередь подражавшего китайскому фарфору периода Мин. Простор, воздух, свет и бороздящие высокое небо самолеты – амфибии, плод новаторской мысли конструкторов, сюжеты ваз, декоративных панно и объектов Семеновой, — искусствовед Евгения Гершкович.

Алексей Морозов - художник, скульптор, архитектор, выпускник МГАХИ им. В. И. Сурикова, член Российской академии художеств. Вся творческая карьера Морозова посвящена последовательному созданию огромного арт-универсума, переосмысливающего греко-римское классическое наследие в контексте современности. Опираясь на произведения античности и придавая им футуристическое звучание, автор выработал собственный узнаваемый художественный язык, в котором сплавились классика и провокация, прекрасное и пугающее, мир техники и мир телесности, античная иконография и радикальный современный смысловой контекст. Алексей Морозов регулярно участвует в выставках, его работы экспонируются на многочисленных международных ярмарках современного искусства, а также на аукционе Sotheby's. Произведения художника находятся в собраниях Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), в корпоративных и частных коллекциях.

Андрей Криволапов — художник, чьи работы оживляют вековые мифы и исторические повествования. Тематически он обращается к русской, христианской и античной истории, а также средневековым сказаниям. В его скульптурах и рельефах из стекла пересекаются ирония и серьезность, искренность и глубокий психологизм. В каждое произведение, созданное мастером, заложен не только эстетический замысел, но и философское осмысление культурного наследия. Криволапов применяет уникальную технологию отливки, добавляя в шихту окислы металлов и различные компоненты, что позволяет ему добиться оригинального звучания материала. Его стекло, насыщенное текстурами — пузырьками воздуха, песчинками и другими включениями — напоминает необработанный камень, но при этом сохраняет характерное для стекла свечение. Эта гармония создает магию многослойности, благодаря которой архаические образы выглядят не как современные творения, а как артефакты, созданные очевидцем тех времен, о которых рассказывают.

Анна Волкова — художник-керамист, чьи произведения соединяют декоративную изысканность с живой пластической выразительностью. Её фарфоровые букеты — это не просто флористические композиции, а художественные образы, в которых хрупкая красота природы переосмысляется через призму вечности, застывшей в материале. Композиция «Розовый букет» состоит из одиннадцати веток, каждая из которых выполнена вручную: от лепки и сборки тончайших лепестков до росписи. Использование фарфора для цветочных элементов придаёт работе особую прозрачность и изящество, в то время как керамическая ваза служит прочной основой и контрапунктом к утончённой воздушности букета. Анна Волкова — выпускница Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица, Gerrit Rietveld Academy и Sandberg Institute в Амстердаме. Работает с авторским фарфором, разработанным в ходе многолетней практики.

Владимир Копейкин — современный российский художник, работающий со стеклом. За его плечами Абрамцевский художественно-промышленный колледж и Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия им. Штиглица. Первый персональный проект Владимира – «Предел прочности», начавшийся как камерная выставка в 2022 году, за пару лет вырос в масштабный корпус работ, включающий около 30 объектов. Все они представляют собой стеклянные «слепки» предметов повседневного быта: подушка, смятые страницы дневника, плащ, качели, зажигалка, упаковка таблеток, кредитная карта – вещей, принадлежащих художнику, его друзьям или незнакомцам. При этом индивидуальные истории этих предметов обезличены – это, своего рода, символы, наполняющие мир обывателя. Художник подчеркивает хрупкость этих объектов, рассматривая их как метафоры эфемерности воспоминаний и человеческой жизни.

Анастасия Прибельская работает в технике лэмпворк, создавая ботанически точные стеклянные скульптуры, в которых хрупкость материала сочетается с предельной детализацией, стирая границы между искусством и природой. Фокусируя внимание на незаметных обитателях северного пейзажа, художница переосмысляет привычную антропоцентрическую иерархию, в которой человек доминирует над окружающим миром. В её работах цветы предстают не декоративным дополнением, а полноправными участниками сложной экосистемы, чьё существование столь же значимо для мироздания, как и человеческое присутствие.

Выпускница Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии имени А.Л. Штиглица, Александра Пацаманюк представляет новое поколение художников-стеклоделов России, в чьём творчестве проявляется синтез традиций и инноваций. Пацаманюк владеет множеством техник работы со стеклом, как горячим, так и холодным способами его обработки. Она черпает вдохновение в традиционной культуре, элементы которой становятся мотивами графического декора, покрывающего тела выдувных хрустальных ваз. Через глубинную связь между формой, содержанием и физическими свойствами материала художник говорит о хрупкости ускользающих культурных особенностей. Осознание необходимости поддержки российского художественного стекла привело Александру Пацаманюк с группой единомышленников к созданию резиденции «Хрусталик» в Никольске Пензенской области — для сотрудничества с мастерами и начинающими художниками, которые стремятся развивать свои навыки и осваивать искусство работы со стеклом.

Сергей Храбровский — современный российский дизайнер, преимущественно работающий с деревом. Его подход сочетает ремесленную точность краснодеревщика и интеллектуальную игру с контекстами. Каждое произведение Храбровского – это пропущенное через форму предметного дизайна воспоминание или впечатление. Аркады Колизея, суровый тосканский ордер и готические нервюры – все эти образы он переводит в материальный функционализм. Проекты дизайнера опубликованы в изданиях Elle Décor UK, AD. Работы Сергея Храбровского представлены в собраниях частных галерей России, Европы и США.

Мадина Царикаева — предметный дизайнер из Северной Осетии, работающий преимущественно с природными материалами, такими как камень. Камень напоминает горы, среди которых выросла Мадина. «Камень для меня — ассоциация с чем-то величественным, с силой и непоколебимостью». В 2022 году дизайнер создала коллекцию мебели, выполненную из разных пород камня. Игра с геометрией и фактурой, помогает автору раскрыть всю глубину этого природного материала. В 2022 году разработала эскиз светильника для французского модного дома Dior. Работы Мадины Царикаевой были представлены на ряде престижных международных выставок: Downtown Design Dubai 2023, Maison&Objet 2024 (Париж), Salon Budapest 2024.

Анжело Манджаротти — итальянский архитектор, дизайнер и скульптор, чья работа стала символом послевоенного модернизма и итальянского промышленного дизайна. Он получил архитектурное образование в Милане, работал в Чикаго, где познакомился с Мис ван дер Роэ, Фрэнком Ллойдом Райтом и Константином Бранкузи, что повлияло на его стремление к простоте, конструктивной честности и гармонии формы и функции. Вернувшись в Италию, основал собственную студию и создавал проекты в области архитектуры, мебели, освещения и промышленного дизайна. Его стиль отличался минимализмом, вниманием к натуральным материалам и стремлением создавать вневременные, долговечные объекты. Манджаротти сотрудничал с ведущими брендами, такими как Artemide, Cassina, Agapecasa, преподавал по всему миру и оказал значительное влияние на развитие дизайна XX века.

Афра и Тобиа Скарпа — итальянские архитекторы и дизайнеры, чьё творчество объединяет эстетику ручного ремесла с промышленной точностью. Они обучались и работали в Венеции, сотрудничали с такими брендами, как Cassina, Gavina, B&B Italia и Flos, и внесли значительный вклад в развитие дизайна мебели и предметов интерьера второй половины XX века. Их стиль отличает уважение к материалу, конструктивная честность и стремление к созданию вневременных объектов. Стол Africa занимает особое место в их наследии. Это не просто функциональный предмет, а пример того, как высокое качество исполнения и сдержанная выразительность форм рождают мебель, актуальную вне модных тенденций. Сегодня такие предметы признаны коллекционными и высоко ценятся знатоками дизайна по всему миру.

Итальянский художник, архитектор, дизайнер и поэт. Родился в Потенце в 1931 году, до 2007 года возглавлял кафедру архитектурного дизайна на архитектурном факультете Неаполитанского университета имени Федерико II. На том же факультете был директором школы промышленного дизайна. В 1970-х гг. вместе с Этторе Соттсассом, Алессандро Мендини, Андреа Бранци и другими он был одним из основателей Global Tools, передовой школы архитектуры и дизайна под названием «радикальная архитектура». Работы, созданные в тот период, теперь являются частью постоянных коллекций Центра Помпиду в Париже, Центра Frac в Орлеане, музея Мадре ди Неаполь. Лауреат премии Compasso d’Oro (1981, 2014).