Артем Алексеев родился 18 февраля 1972 г. в Ленинграде, отец его был врачом, а мать модельером. С самого детства каждый из родителей так или иначе старался оказать благотворное влияние на сына. Благодаря Наталье Артем начал заниматься искусством, а Андрей настоял на том, чтобы Артем обязательно укреплял здоровье и тело — бегал и плавал. Так, все детство будущий художник совмещал занятия рисованием и спортом. Еще позже к этому списку прибавилась поэзия, а затем и музыка. Но все же именно живописью Артем Алексеев занимается дольше, чем всем остальным. Его привлекает этот вид искусства своей независимостью, но при этом и ограниченностью. Для живописи не нужно электричество, как для digital-art, или многочисленные предметы, как для инсталляций, однако кроме холста, красок и кистей для живописи более ничего и не требуется. По мнению Артема свобода в творчестве достигается за счет ограничения средств, нежели их вседозволенности. Уже в 17 лет Артем оказался в стенах Петербургской Академии Художеств, где обрел своих наставников, чьи идеи и методы он запомнил навсегда и внедрил в свою преподавательскую деятельность. С 1999 года художник проживает в Дании, куда был приглашен преподавать живопись в Университетский колледж VIA.

Олег Иващенко родился в 1981 году в Краснодаре. Автор, соединяющий традицию иконописи и философское исследование образа. Его работы балансируют между духовной символикой и современным пластическим языком. Художественное исследование привычного нам фона как самостоятельного субъекта. Автор будто специально устраняет приметы времен и мест, создавая ирреальный, но при том детализированный мир. Олег Иващенко использует такие медиа как живопись и рисунок, посредствам физических возможностей и высокого уровня академического рисунка развивает и совершенствует классические техники, превращая их в новую современность. 1997 – 2002 – учеба в Краснодарском художественном училище 2002 – 2008 – учеба в МГАХИ имени В.И. Сурикова, монументальная мастерская под руководством Е.Н. Максимова 2006 – принимает участие в росписи Храма Софии Премудрости Божией. Удостоен серебряной медали РПЦ. 2008 - Большой диплом, посвященный храму Ильи Пророка, удостоен золотой медали Российской Академии Художеств. 2009 – принимает участие в росписи Храма Христа Спасителя, под руководством Е.Н. Максимова 2011 – принимает участие в росписи надвратного храма в Воскресенском Ново-Иерусалимском монастыре 2011 – по настоящий момент - преподает в МГАХИ им. В.И.Сурикова в качестве доцента в мастерской современного искусства академика Сергея Оссовского 2016 – 2022 - руководит артелью художников, создававших мозаичное убранство для Собора Святого Саввы в Белграде по проекту Н.А.Мухина. За работу над сербским храмом удостоен звания члена-корреспондента Российской академии художеств. Работает в своей московской мастерской над созданием новых картин. Участвует в групповых выставках и аукционах международного ранга. Работы находятся в частных коллекциях и присутствуют в постоянных музейных собраниях.

Райшев Геннадий Степанович - хантыйский художник, член Союза художников России, заслуженный деятель культуры Ханты-Мансийского автономного округа. Родился 1 ноября 1933 года (в паспорте - 18 ноября 1934 года) в п. Сивохребт Самаровского района Остяко-Вогульского (Ханты-Мансийского) автономного округа. Среднюю школу закончил в 1954 году в Сургуте. В 1954-1959 годах учился на филологическом факультете Ленинградского педагогического института им. А.И. Герцена. Параллельно осваивал мировое изобразительное искусство, занимался в изостудии под руководством графика В.П. Ефимова и на вечернем отделении художественно-графического факультета. В 1962 году вместе с семьёй переезжает в г. Карпинск Свердловской области, где работает до 1975 года художником-оформителем в местном кинотеатре. В 1974 году Г.С. Райшев был принят в Союз художников СССР за циклы графических работ. С 1998 года проживает в городе Ханты-Мансийске. Диапазон творческих интересов Г.С Райшева весьма широк. Он не только художник в общепринятом смысле этого слова, то есть человек, занимающийся живописью и графикой, но и теоретик изобразительного искусства, размышляющий о философских, социологических и психологических вопросах творчества, подтверждением чему является написанная им книга «Отчего мучается художник: вопросы творчества». Изобразительная манера Г.С. Райшева на рубеже 60-70-х годов претерпела радикальную трансформацию. Он отошёл от реализма «сурового стиля» и перешёл к символизму обобщённо-знаковой модели мира. В своих поисках Г.С. Райшев опирается на традиции народного искусства обских угров, других этнических общностей, проживающих в Сибири. Тематика творчества Г.С. Райшева разнообразна. Можно выделить несколько основных направлений. Больше всего художник любит изображать природу югорского края, коренных жителей Югры, русских сибирских людей. Многие темы нашли отражение в экспозициях, развёрнутых в 1996-2003 годах в Галерее-мастерской. Персональные выставки Г.С. Райшева проводились также в Свердловске - Екатеринбурге (1988, 1994, 2000), в Тюмени (1988, 1996), в Сургуте (1995), в Карпинске (1990, 1994, 1997), в Тобольске (1989), в Москве (Венгерский культурный центр, 1992; редакция журнала «Наше наследие», 1999), в Венгрии (Секешфехервар, Будапешт, 1991), в Финляндии (Йоэнсуу, 1999). Кроме Галереи-мастерской Г.С. Райшева, ещё одна постоянно действующая экспозиция работ художника находится в Тюменском областном музее изобразительных искусств.

PIRAT ART — творческий псевдоним художника Анастасии Новиковой. Художник, для которого творчество — это семейное дело, уходящее корнями в прошлое. Он знает, что его прародительница была не просто грозой морей, а контрабандисткой, спасавшей запрещенные шедевры и работы вроде полотен Караваджо от костров инквизиции. Эта история стала внутренним компасом художника. Он видит себя не вором, а наследником — тем, кто находит забытые миром идеи и, подобно предку, тайно переправляет, даруя им спасение в своих картинах. Её студия — это корабль, холсты — трофеи, а маршруты образов и смыслов — навигационные карты. Только ром, в отличие от легендарной прародительницы, художник не пьёт — её топливо другое: исследование, риск, игра и страсть к спасению того, что исчезает.

Художник в третьем поколении. Родился 10 июля 1998 в городе Перми. Учился в Пермском строительном колледже по специальности Архитектура. Летом 2020 года переехал в Санкт-Петербург, где продолжил творческую деятельность. Автор многих уличных и выставочных проектов в таких пространствах, как Севкабель порт, Бертгольд центр, Этажи и другие. В 2025 году переехал в Москву. В работах для художника важна легкость исполнения. Для него важно создавать работы, в которых выразительность строится на простоте. Художник исследует мир через способность сказать многое малым: минимальный набор средств, точный жест, выверенная форма. Такой подход усложняет процесс, но позволяет произведению говорить яснее и глубже.

Марина Гурова родилась в небольшом северном посёлке Никель на Кольском полуострове в 1957 году. Поcле окончания школы переехала в Москву и поступила в Московский полиграфический институт на художественно-графический факультет (ХТОПП), где обучалась до 1985 года под руководством Ю. Чувашева, Ю. Буржеляна, Д. Бисти, Н. Гончаровой. С 1985 года активно участвовала в различных выставках. Было несколько персональных выставок: галерея La Ruine (Женева), галерея АСТИ (Москва), музей Марины Цветаевой (Москва), Дом Литераторов фонда Исмаила Ахметова (Таруса). Работы художницы находятся в собраниях тарусского музея семьи Цветаевых и Дома Литераторов фонда Исмаила Ахметова, а также в частных коллекциях России, Швейцарии, Франции, Германии, Голландии, США.

Ирина Данилевская родилась в Москве в 1980 году. В 16 лет она уехала учиться дизайну в Сорбонну (Париж). В 1996-1998 жила и работала в Берлине, потом училась в МАХУ памяти 1905 года. Занятия живописью, путешествия, страстное увлечение танцами, тяжелая болезнь, долгожданная персональная выставка, успех и смерть в 2015 году. Ирина писала сериями, повторяя, проговаривая один мотив многократно. Но это не жестко заданный набор, а, скорее, бесконечное количество комбинаций. От того, как соединяются эти картины, меняется, если не смысл, то интонация. Про эти работы трудно сказать, какая из них лучше. Скорее речь о том, какая Вам ближе. Данилевская – живописец, «наследник всех своих родных». Родные, как это часто бывает в русской живописи – французы. «Французское звучание ее картин вызывает в памяти разных представителей Парижской школы, каждый зритель видит «чуть больше» Боннара, Моне, Сезанна, Ван Гога или Матисса в зависимости от собственных предпочтений», - пишет о работах Ирины критик Валентин Дьяконов. Она не подражает, она использует стили своих предшественников, как краски, наслаивая друг на друга и создавая свой язык.

1966 – родился в с.Решеты, Новосибирской области. 1983-90 – учеба в Новоалтайском художественном училище. 1996 – окончил МГАХИ им В.И. Сурикова. Мастерская станковой живописи В.М.Сидорова. Член профессионально-творческого Союза художников России. В Ы С Т А В К И  1991 – «Невада – Семипалатинск», групповая выставка, ЦДХ, г. Москва. 1994 – «М. Кабан-Петров, Е. Кравцов» выставка, ЦДХ, г. Москва. 1995 – «Молодые художники Сибири», Международный Славянский Центр, г. Москва. 1999 – «Выставка русских художников», Мальта. 2001 – Персональная выставка, Мос.Гор.Дума, г. Москва. 2006-08 – участие в выставках галереи «Салон Русс», Лондон. 2007 – групповая выставка, г. Владимир. 2008 – «АРТ-МАНЕЖ», г. Москва. «ТРИ + ОДИН», групповая выставка, г. Подольск. «15 лет спустя», групповая выставка, г. Коломна. 2011 – Персональная выставка, г. Петушки. Выставка «1+1+1», г. Нижний Новгород. Групповая выставка «Скользящий свет», ЦДХ, г. Москва. 2012 – выставка «1+1+1», галерея «Красный Мост», г. Вологда. 2015 – выставка «1+1+1», г. Воронеж. Выставка «ЭМОЦИИ», Музей Современной Истории России, г. Москва. Выставка − «М. Кабан-Петров, А. Плиев», Ферпонтово. 2016 – персональная выставка, Музей современного искусства «ЭРАРТА», Сенкт-Петербург. 2018 – персональная выставка, г. Электрогорск. 2020 – персональная выставка, г. Владимир. 2021 – «ОТСУТСТВИЕ» персональная выставка, г. Владимир. 2022 – выставка «1+1+1», ЦДРИ, г. Москва. «ХОЛСТ-ВРЕМЯ» персональная выставка, галерея ARTMAISON, г. Москва. 2023 – «ДРУГОЕ», персональная выставка, г. Владимир. «Ярмарка современного искусства», г. Пермь. 2024 – «Неравнодушные в Жуковке», галерея АРТ-ЛАБ, Жуковка-57. С 1996 г. живет и работает в г.Костерево, Владимирской обл.

Родилась 18 января 1991 года в Москве. Окончила Московскую центральную художественную школу при РАХ(2009), Московский государственный академический художественный институт им. В. А. Сурикова (факультет графики)(2015), Институт Современного Искусства Иосифа Бакштейна (курс по новым художественным стратегиям)(2016). МСХ , ТСХР. Работы находятся в частных коллекциях в России, Швейцарии, Франции и Испании. 2014 - награжден дипломом с благодарностью Российской академии художеств за участие в выставке творческих работ студентов мастерской станковой графики Московского академического художественного института имени В. А. Сурикова в рамках Недели иностранных культур в Париже. 2012 - выиграла грант "Винченцо Бьянки и студенты мира", в рамках которого прошла творческую практику в Италии.

ОКОЁМО — творческий дуэт Алексея Осина и Симхи Бранкович, в котором встречаются архитектурная мощь формы и поэтическая зыбкость знака, материя и метафора, структура и интуиция. Их объединяет стремление исследовать природу — не только как явление, но и как язык. На стенде галереи Hidden Place представлены работы одного из участников дуэта. Алексей Осин  — художник, декоратор, зодчий и мастер. Его практика охватывает широкий спектр направлений: от арт-объектов из дерева, металла и камня до декоративных барельефов, абстрактной живописи, скульптуры, авторской мебели и световых инсталляций. Алексей свободно работает с природными материалами, исследуя их свойства, создавая новые формы, текстуры и составы. Образование в Российской академии правосудия и архитектурные курсы сформировали у него особое ощущение структуры, объёма и композиции, что делает его работы масштабными, но всегда «живыми» и наполненными дыханием материи.

Даша Гаузер родилась в 1978 году в Магнитогорске. В искусство пришла из мира моды. Даша работает с объектами и инсталляцией, опираясь на опыт дизайнера одежды. Одиннадцать лет в модной индустрии сформировали собственный метод: мыслить драматургией показа и нарочитой стилизацией подиума. Разочаровавшись в цикличности моды и культе избыточного производства и потребления, Даша осознанно вышла из этого поля и перенаправила этот опыт в искусство, чтобы исследовать влияние визуальной культуры на самоидентификацию и власть формы. Проект "Капсула" (2025) Обычно капсула — это нечто герметичное, изолированное, где смысл и ценность скрыты внутри. Капсула Даши Гаузер уникальна тем, что открыта для жизни и взаимодействует с внешним миром, раскрывая свою айдентику через дизайн.