PETRO (род. 1984, г. Жуковский) – один из известных представителей художников «уличной волны», рисует на стенах более 20 лет. Основатель и участник пост-граффити дуэта Aesthetics group (совместно с Ильёй Слак). Сегодня Petro находится в авангарде российского уличного искусства, а его нынешний эклектичный стиль построен на сочетании различных направлений прикладного искусства и архитектуры. Отойдя от шрифтовых композиций, Petro сконцентрировался на геометрической абстракции. Художник принимает участие в крупных фестивалях, выставках, проектах в России и за рубежом. Участник резиденций “Graffiti analysis” 2010 (Пермь) / “Week-End RAW Circles” 2013 (Париж) / “Dukley European Art Community” 2015 (Черногория) / “Uppa Winery” 2019 и 2021 (Севастополь) / “Art Station” 2021 (Иваново). В 2010 году организовал показ граффити фильмов в Москве и Санкт-Петербурге: “Flashback” (RUS), “Aevus” (RUS), “Endstation” (UKR). В 2012–2014 годах основал и организовал граффити-фестиваль “Sign Your Style”. В 2013 году был удостоен премии фестиваля стрит-арта MOST Awards в номинации «уЛичный вклад. Художник года». В 2013 году был куратором уличного фестиваля «33 грани восприятия». В 2014 году состоялась выставка "Дуализм" (Москва), совместный проект Petro и Ильи Слака (Slak), осенью того же года стал сокуратором русской части I Биеннале уличного искусства «Артмоссфера». В 2016 году был координатором русской части, II Биеннале уличного искусства «Артмоссфера». В сентябре 2021 в фонде Ruarts прошла персональная выставка "Форма". В 2022 году в рамках совместного проекта фонда Ruarts и ММОМА создал мурал в арке Образовательного центра ММОМА в Ермолаевском переулке. Мурал имел функцию дополненной реальности (AR), что позволило раскрыть произведение в другой плоскости (автор анимации и технической поддержки – Максим Князев). В своем творчестве Petro стремится к постоянному развитию и самореализации, кроме муралов, художник создает произведения на холстах, объемные инсталляции и скульптуру.

КИРИЛЛ ГАТАВАН (род. 1986, Москва) — историк, культуролог, художник-график, иллюстратор издательства АСТ. Занимается графикой, коллажом, шелкографией, цианотипией. Его работы — это сюрреалистические пространства. Тонкие графические контуры автор наполняет яркими акварельными пятнами, объединяя детализированное изображение, свойственное иллюстраторам с абстракцией. «Это (всегда) должна быть видимость аналогий. Для меня важна драма линий: разрывы, соединения, штрихи; лабиринты происходящего», – говорит художник. Участник международных и российских выставок, в том числе международного фестиваля молодых художников «Арт-сессия» (Калининград, 2012), выставки «Манифест Пульс-2» (Санкт-Петербург, 2015), «Против всех» (VLADEY, 2017), Acht (Zwo Gallery, Вена, 2018), Private view (Zwo Gallery, Vienna, 2019). Его работы находятся в частных коллекциях в России, Австрии, Германии, Польше.

ВИТАЛИЙ ТЮРЛИК (род. 1988, Москва) – историк-архивист, художник, заведующий архивом театра «Новая опера». Занимается ручной вышивкой, текстильным коллажем, графикой. С 2023 года работает эксклюзивно с галереей Ruarts. В 2012 году окончил историко-архивный факультет Российского государственного гуманитарного университета. В детстве впечатлился работами советского художника Гелия Коржева, придумавшего гротескный цикл творений, посвященный тюрликам, нелепым антропоморфным существам, отсюда псевдоним. Как говорит сам автор: «Мне кажется, что среди людей немало тюрликов. Возможно, я и сам – тюрлик». Участник маркетов Винзавода WinWin, с февраля 2023 года – резидент 9 сезона Открытых студий Винзавода. Участник групповой выставки «Путеводная нить» (Тула, «Октава», апрель-июль 2023). Также в 2023 году провел ряд авторских мастер-классов: ГЭС-2 (текстильный коллаж), музей «Гараж» (ручная вышивка). «Я всегда имел склонность к творчеству – рисовал, занимался пленочной фотографией, музыкой, но лучше всего у меня получилось выразить свои идеи с помощью ниток и ткани. Сначала я увлекся ручной вышивкой и почти 3 года отдал этому занятию. А осенью 2022 года меня заинтересовал текстильный коллаж – по сравнению с вышивкой он дает настоящую свободу творчества: без предварительного эскиза можно быстро наметить желаемый сюжет, посмотреть, как будут смотреться те или иные идеи. И все можно доделывать, переделывать, менять на ходу прямо во время работы. Впечатляет и текстурное, цветовое разнообразие материалов, с которыми приходится взаимодействовать».

АЛЕКСЕЙ ЛУКА (род. 1983, Москва) — художник, представитель движения уличного искусства в России, чей творческий метод обращен к абстрактной живописи, а также переосмыслению модернистских традиций неопластицизма и конструктивизма в городском пространстве. Алексей Лука много работает с архитектурной формой и фактурой материалов, создавая произведения в техниках коллажа и ассамбляжа и используя различные медиа, будь то живопись, графика, объекты, инсталляции и site-specific проекты. Интерес к архитектурной составляющей, как и увлечение граффити и стрит-артом постепенно трансформировалось в профессиональную художественную практику. С 2015 года работает эксклюзивно с Ruarts. Алексей Лука — регулярный участник российских и международных биеннале (I, II, III и IV Биеннале искусства уличной волны «Артмоссфера» (2014,2016, 2018, 2023 гг. ), 6-ая Биеннале в Марракеше, Марокко (2016 г.), крупных групповых проектов в сфере уличного искусства (фотоальманах Алексея Партола «Части стен 2» (2018), выставка «Части Стен» в ЦВЗ Манеж в Санкт-Петербурге (2018), выставка «Стена» в рамках Форума уличного искусства в ММОМА (2019). В 2020 году выполнил дом-антресоль в арт-парке Никола-Ленивец и принял участие в фестивале «Здесь и сейчас». В 2021 году сделал мурал на административных зданиях Музея Москвы. Работы художника находятся в важных частных коллекциях, в том числе в собрании фонда Ruarts.

Работает как скульптор, график, а также автор архитектурных проектов и интерьерного дизайна. Награжден золотой медалью Российской академии художеств (2001). В 2002 году окончил Московский государственный академический художественный институт им. В.И. Сурикова, кафедру скульптуры под руководством известного скульптора Александра Рукавишникова. В 2011 году Айдыну Зейналову была присвоена ученая степень кандидата искусствоведческих наук НИИ теории и истории искусств РАХ. Является доцентом кафедры академического рисунка Московской государственной художественно-промышленной академии им. C.Г. Строганова, а также членом-корреспондентом Российской академии художеств (2012). В 2017 году Айдыну Зейналову присвоено звание действительного члена (академика) Российской академии художеств, а в 2018 году звание академика Флорентийской академии искусств. Автор памятников Джакомо Пуччини и Джузеппе Верди, установленных в Монтекатини-Терме (Италия). Произведения А. Зейналова представлены в Московском музее современного искусства, Государственной Третьяковской галерее, Галерее Академии во Флоренции, итальянском Музее современного искусства (MOCA), дворце Медичи во Флоренции, Фонде Ruarts в Москве. Монументальные скульптуры украшают города России, Германии и Италии.

Родился в Москве. С 2000 года работает как граффити-артист, занимается исследованием поведения современного человека, что находит отражение в его декоративно-прикладной практике. Образованию в сфере искусства предпочел математическое, которое повлияло на способ создания произведений. GIWE документирует и анализирует жизнь человека в крупном городе, выделяя и отражая распространенные образы. Результаты наблюдений впервые представил в книге Film Flix, вышедшей в 2016 и переизданной в 2020 году. Издание легло в основу фильма Megamix (2018). GIWE обращается к темам стандартизации жизни, идентичности и копирования. Активно применяя стразы (псевдо-бриллианты) в работах, GIWE исследует феномен имитации во всех смыслах, начиная с имитации товаров и услуг, переходя к имитации жизненных принципов и идей. На центральных улицах Москвы можно встретить фирменный логотип художника — глаза с хитрым прищуром, будто бы наблюдающие за происходящим. Участник музейных и галерейных выставочных проектов в России и Франции.

Японская фотохудожница, живущая и работающая во Франции, Венеции и Токио. Основной корпус ее работ составляют серии автопортретов-перевоплощений, в которых Кимико Йошида примеряет на себя женские образы разных эпох и народов. Убежденная в отсутствии персональной идентичности как таковой, художница раз за разом счищает с себя “бесконечные слои” культурных и гендерных предрассудков, оставляя их в своих работах. Для своих автопортретов художница самостоятельно создает сложные структуры из украшений, нарядов, головных уборов, макияжа и боди-арта, отсылающие к тем или иным культурным традициям и женским образам. Среди последних проектов: персональная выставка в рамках фотобиеннале в Галерее Ruarts (Moscow, Russia, 2018), совместная выставка с Карен Кролл «Avatars: The Boundaries Between Illusion & Reality» в Holden Luntz Gallery (Palm Beach, Fl, USA, 2019), персональная выставка в художественном пространстве L’Abbaye Фонда Современного искусства Salomon (Annecy-le-Vieux, France, 2019). Работы Кимико находятся в постоянных коллекциях Музея изобразительных искусств в Хьюстоне (США), Израильского музея в Иерусалиме (Израиль), Музея искусства в Тель-Авиве (Израиль), Музея Соумайя в Мехико (Мексика), Европейского дома фотографии в Париже (Франция), Фонда Guerlain в Париже (Франция), Фонда Ruarts в Москве (Россия) и других.

Японский фотограф, приобрел в известность в 1960-е годы благодаря своим снимках уличной жизни Японии. Араки окончил факультет фотографии в Университете Тиба и работал коммерческим фотографом в рекламном агентстве Dentsu. Здесь Араки встретил свою будущую жену, эссеистку Ёко Араки. После того, как они поженились в 1971 году, Араки опубликовал книгу фотографий своей жены, сделанных во время их медового месяца, под названием «Сентиментальное путешествие». Его работы публиковались в журналах и книгах, издававшихся в Японии группой Provoke. Сегодня Араки — своего рода образец фотографического сладострастия: в своих снимках он сообщает женскому телу, цветку или уличной сцене как буквальный, так и скрытый сексуальный смысл. Гармоничная связь противоположностей и составляет самую суть искусства Араки. Фотографии Араки возбуждающие, провокационные, неоднократно подвергались жесткой цензуре вплоть до конфискации и ареста со стороны японских властей, тем не менее остаются популярны не только в Японии, но и по всему миру. Основная ретроспектива его работ состоялась в 2016 году в парижском Музее азиатского искусства Гиме (Musée Guimet). Сегодня произведения Араки хранятся в многочисленных музейных коллекциях, включая Тейт в Лондоне, Музей Stedelijk в Амстердаме и Музей современного искусства Сан-Франциско.

Известный голландский фотограф. В 1990 году Толленс окончила Академию фотографии в Харлеме, Нидерланды. Сотрудничает с такими журналами, как Vogue, Dutch, Elle, Elegance и другими. Ее работы публиковались в Avenue, JFKmen, Credits, La Vie en Rose и Playboy, кроме того, она участвовала в создании всемирно известных рекламных кампаний для многих международных брендов, таких как Mercedes, Tommy Hilfiger, Nike, Ikea, Nokia и Martini. Фотографии Корнели Толленс регулярно выставляются в Милане, Париже, Брюсселе, Амстердаме, Нью-Йорке, Киото, Москве и других городах по всему миру. Утонченный эстетизм фотографий превращается в почти физическое влечение и желание. Даже натюрморты, которые традиционно фиксируют «мертвую природу», в работах Корнели приобретают чувственность и эротизм. Исследуя темы эротики и экстаза как влечения к смерти, Корнели Толленс неизбежно оказывается в ряду таких провокационных фотографов, как Роберт Мэпплторп, Нобуеси Араки и Беттина Реймс, которые в своих портретах постоянно стремились нащупать границу между привлекательным и отталкивающим, красотой и уродством. Как и для этих авторов, для Корнели важно обнаружить, в какой момент желание как благородная жизненная сила перерастает в вульгарную похоть, и попытаться тем самым переосмыслить дихотомию эротики и порнографии.

После службы в армии начал серьезно заниматься фотографией в Доме моды Славы Зайцева, где работал моделью. Первая выставка прошла в Таллине в рамках фестиваля моды в конце 1980-х. В начале 1990-х годов совместно с агентством RED STARS начал развивать модельный бизнес в России. Влад Локтев — родоначальник отечественной fashion-фотографии, его работы публиковались в таких журналах, как Vogue, Glamour, Tatler, GQ, Maxim, Cosmopolitan, Harper’s Bazaar, L’Officiel, Elle и других. В 2019 году фотограф, имя которого среди знатоков фотографии ассоциируется исключительно с fashion- и рекламными съемками, впервые представил серию абстрактных работ в пространстве галереи Ruarts.

Художница, керамист. Член Московского союза художников, секция книжной графики. С 2019 года член Европейской Академии керамики AIC. Основные темы художественных высказываний — культ красоты, идеология потребления, женское в искусстве и обществе. С 2021 года художница активно развивает тему взаимосвязей современного искусства и традиционных народных промыслов, влияния архаичных мануальных техник на сознание и определение идентичности сегодня. В 2021 Аннушка Броше выступила как куратор и художник в Республике Коми со спецпроектом «Коллаборация» для первой Коми биеннале Современного искусства и Российского этнографического музея в Санкт-Петербурге. В 2024 году состоялась персональная выставка «My Body is a Cage» в Фонде Ruarts.